Billboard AR Mayo 2026

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FOTO: GENTILEZA PRENSA

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SALE S DATA

AC TIVI TY D ATA BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN ATE. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WLY RELE AS ED T ITLES, O R SON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LAY AN D/OR S ALES

CO MPIL ED B Y

“Cuando No Era Cantante”

empata el mayor número de

semanas en el No.1 del año

La canción suma siete semanas en la cima, lo mismo que “La Villa”.

El Bogueto y Yung Beef no sólo

mantuvieron la cima del Billboard

Argentina Hot 100 una

vez más, sino que lograron posicionar

“Cuando No Era Cantante” como la

canción con más semanas en el No.1 del

año, con siete, empatada con “La Villa”

(Kapo y Ryan Castro). “SWIM” (BTS),

ahora ubicada en el No.4, fue la única

que supo arrebatarles la cima en lo que

va del 2026.

Tini pisa fuerte en el No.5 y No.6:

primero, con “Dos Amantes” (junto a

Ulises Bueno) y “Vuelve”, en compañía

de Ricky Martin y Los Ángeles Azules.

El Top 10 lo completan La T y La M con

“Soy Favela”, en el No.9; y Rosalía con

Yahritza y Su Esencia con “La Perla” en

el No.10.

Jay Wheeler se quedó con el Hot

Shot Debut de la Semana gracias a “De

Lejitos”, track de su próximo álbum que

ingresa al chart en el No.61. Esto marca el

regreso del puertorriqueño al chart luego

de varias semanas luego de la presencia

con “Romántica”, track que comparte con

Maria Becerra.

Por otro lado, Luck Ra y La T y la M

logran el Greatest Gainer Award con

“Bebé”, que subió 24 puestos desde el

No.71 hasta el No.47. Shakira & Beéle

con “Algo Tú” en el No.88 y Omar

Courtz con “Vamoacochi” en el No.100

marcan los demás debuts de la semana.

Semana

pasada

1

2

6

3

4

5

9

7

8

11

Esta

semana

1

2

3

4

5

6

7

8

9

10

Título

#1 por 1 SEMANA

Cuando No Era Cantante

LA VILLA

Puñaladas

SWIM

DOS AMANTES

VUELVE

FOREVER TU GANTEL

QUÉ GANAS DE COMERTE

Soy Favela

La Perla

Artista

El Bogueto & Yung Beef

Ryan Castro, Kapo, Gangsta

Amigo de Artistas, Lauta, Tote

BTS

TINI, Ulises Bueno

Los Ángeles Azules & TINI, Ricky Martin

Omar Courtz, Ñengo Flow

Jere Klein, Lucky Brown,

Maria Becerra, XROSS

LA T Y LA M

ROSALIA & YAHRITZA Y SU ESENCIA

-VARIACIÓN

-

↑

↓

↓

↓

↑

↓

↓

↑

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 3

---

H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 14 DE ABRIL

CRÉDITO: @POPIIFT

Semana

pasada

18

Esta

semana

21

Título

BAILE INoLVIDABLE

Artista

Bad Bunny

VARIACIÓN

↓

CRÉDITO: ?????

24

22

Hagamos Que

Juanes

↑

23

23

Obsesionario En La Mayor

Tan Bionica, Abel Pintos

-

20

24

A Las Nueve

No Te Va Gustar

↓

22

25

Tu Vas Sin (Fav)

Rels B

↓

28

26

Como Eran las Cosas

Babasonicos

↑

32

27

Por Mil Noches

Airbag

↑

34

28

Bizarrap, J Balvin

↑

31

29

Tu Cárcel

Enanitos Verdes

↑

30

30

No Tiene Sentido

Beéle

-

33

31

TU MISTERIOSO ALGUIEN

Luck Ra Feat. Miranda!

↑

32

DARDOS

Prince Royce, Romeo Santos

RE

Semana

pasada

10

12

13

17

14

16

15

19

29

TU CARCEL

ENANITOS VERDES

Esta

semana

11

12

13

14

15

16

17

18

Título

JETSKI

Tu Jardin Con Enanitos

UWAIE (versión cumbia)

KOKO

La Noche Sin Tí

Cambiaré

Superestrella

POR SI MAÑANA NO ESTOY

11

12

13

14

15

16

17

18

Artista

MC Meno K, Melody,

PEDRO SAMPAIO

Roze Oficial, Max Carra, Valen,

Ramky En Los Controles

Max Carra

OMAR COURTZ

Los Huayra

Feid, Luis Fonsi

Aitana

OMAR COURTZ

VARIACIÓN

↓

-

-

↑

↓

-

↓

↑

29

37

35

26

42

39

41

40

43

36

47

46

57

62

71

50

33

34

35

36

37

38

39

40

41

42

43

44

45

46

47

48

W Sound 05 "LA PLENA"

Suena en la Previa Vol. 3

Manchild

DtMF

444

VelDA

Tan Lejos

Con Otra

Pasos Al Costado

Amor De Vago

VOY A LLeVARTE PA PR

YO TE CONOZCO

Esperando Por Tí

NO LES DA

Bebé

Canción Para Regresar

Beéle, Westcol, Ovy On The Drums

cumbia rocha

Sabrina Carpenter

Bad Bunny

Yan Block & Panda Black

BAD BUNNY ft. Dei V, Omar Courtz

No Te Va Gustar

Cazzu

TURF & MILO J

LA T Y LA M ft MALANDRO

DE AMERICA

Bad Bunny

DE LA ROSE

Roze & Abel Pintos

Callejero Fino & Lea In The Mix

La T y La M, Luck Ra

Sebastián Yatra, Lucho RK, Belinda,

Gente De Zona

↓

↑

-

↓

↑

↑

↑

-

↑

↓

↑

↑

↑

↑

↑

↑

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21

19

I Just Might

19

Bruno Mars

↑

49

49

Loca

Khea

-

27

20

Pensamientos

20

Airbag

↑

38

50

Yo y Tú

Beéle, Quevedo, Ovy On the Drums

↓

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

4 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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H

HOT 100 AR

SEMANA DEL 14 DE ABRIL

Semana

pasada

66

Esta

semana

51

Título

EoO

Artista

Bad Bunny

VARIACIÓN

↑

END OF BEGINNING

DJO

65

CRÉDITO: @POPIIFT

44

52

Body to Body

BTS

↓

59

53

Creo

Callejeros

↑

60

54

Loco (Tu Forma De Ser)

Los Autenticos Decadentes

↑

72

55

Irresponsables

Babasonicos

↑

52

56

Hooligan

BTS

↓

53

57

Adios

Gustavo Cerati

↓

58

Beauty And A Beat

Justin Bieber, Nicki Minaj

RE

54

59

1+1

Maluma & Kany García

↓

70

60

NUEVAYoL

Bad Bunny

↑

Semana

pasada

Esta

semana

Título

Artista

VARIACIÓN

61

De Lejitos

Jay Wheeler

NEW

67

81

Todo Por Un Beso

Emanero

↓

48

62

Nunca quise

Intoxicados

↓

79

82

Será

Las Pelotas

↓

61

55

56

85

45

64

68

95

81

51

65

86

78

93

89

63

64

65

66

67

68

69

70

71

72

73

74

75

76

77

78

2.0

Opalite

END OF BEGINNING

Arruinarse

Capaz

Puesto

Si Antes Te Hubiera Conocido

Niño

NUNCA LO OLVIDES

Un Osito De Peluche De Taiwan

Me Gusta

No Se Va

Cae El Sol

LADRON

Me Rehúso

QLOO*

BTS

Taylor Swift

Djo

Tan Bionica

Alleh & Yorghaki

Babasónicos

KAROL G

Milo J

Airbag

Los Autenticos Decadentes

Ciro Y Los Persas

La T y La M

Airbag

Luck Ra, Karina, Ramky En Los Controles,

Zaira, Bauletti

Danny Ocean

Young Cister, Kreamly

↓

↓

↓

↑

↓

↓

RE

↓

↑

↑

↓

↓

↑

↑

↑

↑

94

76

73

83

100

58

74

90

88

84

99

83

84

85

86

87

88

89

90

91

92

93

94

95

96

97

98

BABYDOLL

Ese Maldito Momento

Cicatrices

Soleao

Vagabundo (Spanish Version)

Algo Tú

Un Angel Para Tu Soledad

Daddy Yankee: Bzrp Music

Sessions, Vol. 0/66

Que Pasaria...

Cuentame

Tratame Suavemente

Bastardo

Es Un Secreto

Every Breath You Take

36 VIDAS

KLOuFRENS

Dominic Fike

No Te Va Gustar

Airbag

Myke Towers & Quevedo

Sebastián Yatra, Manuel Turizo, Beéle

Shakira & Beéle

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Bizarrap & Daddy Yankee

Rauw Alejandro, Bad Bunny

Felix Record

Soda Stereo

Pablo Chill-E

Plan B

The Police

TINI

Bad Bunny

↑

↓

RE

↓

↓

NEW

↑

↓

↓

RE

↓

RE

RE

↓

↓

↑

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN ATE, SALE S DATA A S CO MPIL ED B Y LUMI NATE A ND S TR EA MING

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80

79

BICHO DE CIUDAD

Los Piojos

↑

87

99

FYA

BTS

↓

82

80

Flaca

Andrés Calamaro

↑

100

VAMOACOCHI

OMAR COURTZ

NEW

SALE S DATA

CO MPIL ED B Y

6 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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PRESIDENTE

Jorge R. Arias

DIRECCIÓN EJECUTIVA

Juan Pedro Dondo

Analía Arias

Gonzalo Luzza

DIRECCIÓN EDITORIAL

Ezequiel Ruiz

Julián Mastrángelo

CONTENIDOS

Agustina Szeszurak / Antonella Lopreato /

Karin Leiva / Mariano Kaplan / Gustavo Serna

Colaboraron en esta edición:

Juan Cruz Revello / Facundo Arroyo / Gabriel Hernando

IMAGEN Y DISEÑO

Sofía Graña / Magdalena Medina /

Valentino Luzza Schimpke

BRAND PARTNERSHIPS

Evelyn Dovidenko / Tomás Frontanilla / Melanie Lomas

IT / TECNOLOGIA

Franco Di Nitto

DEPARTAMENTO CONTABLE

Marcela Dermgerd

CONTACTOS

Brand Partnerships: brandpartnerships@billboard.ar

Administración: administracion@billboard.ar

DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH)

011 4301 3601

Billboard Argentina es una licencia de

ABC1 Sociedad de Editores S.R.L.

Dardo Rocha 2188, San Isidro, Buenos Aires, Argentina

Tel: +54 011 7917 1024

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CHAIRMAN & CEO

Jay Penske

CHIEF OPERATING OFFICER

George Grobar

MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL MARKETS

Debashish Ghosh

ASSOCIATE VICE PRESIDENT, INTERNATIONAL MARKETS

Gurjeet Chima

ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL BRAND

& PARTNERSHIP OPERATIONS

Francesca Lawrence

PRESIDENT

Mike Van

EDITORIAL DIRECTOR

Hannah Karp

SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT

Silvio Pietroluongo

CREATIVE DIRECTOR

Alexis Cook

CHIEF CONTENT OFICER LATIN/ESPAÑOL

Leila Cobo

INTERNATIONAL EDITOR

Alexei Barrionuevo

DEPUTY EDITOR, BILLBOARD ESPAÑOL

Sigal Ratner Arias

Billboard Argentina. Prohibida la reproducción total o parcial de

los artículos sin la previa autorización del director. El material

periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.

Marilina Bertoldi deslumbró en el Rock en Baradero. En la página 20,

RNPI: 5349798

los otros grandes momentos de la edición 2026 del festival. ISSN 2344-9276 · Año 12 · Nº 149 · Abril 2026 · Argentina: $20000

FOTO: VALENTINO LUZZA SCHIMPKE

8 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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Contenidos

INTRO

13. CA7RIEL & Paco Amoroso rescatan a Palito Ortega

NOTA DE TAPA

30. Trueno

ENTREVISTAS

22. Magui Olave

28. OK Pirámides

38. Silvestre Dangond

42. Bestia Bebé

44. Moris

56. The Lumineers

60. Thalía

ESPECIALES

16. Billboard Showcase: DesaKTa2

18. Un café con Sebastián Yatra

20. Rock en Baradero

24. Julieta Venegas y los 20 años de Limón y Sal

26. Discos del mes

40. Track x Track: La Portuaria

50. Vivo

62. 40 años de Llegando los monos, de Sumo

64. Emergentes

EN LA TAPA

Trueno, por Agustín Dusserre

DEL OTRO LADO

Magdalena Bay, por Amalia Irons

10

BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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DOS AMANTES

TINI, ULISES BUENO

03

SEMANAS

EN EL N.1º

03

SEMANAS

EN EL CHART

VUELVE

QUÉ GANAS DE COMERTE

SOY FAVELA

JETSKI

TU JARDÍN CON ENANITOS

UWAIE (VERSIÓN CUMBIA)

LOS ÁNGELES AZULES & TINI,

RICKY MARTIN

JERE KLEIN, LUCKY BROWN,

MARIA BECERRA, XROSS

LA T Y LA M

EMILIA MERNES, MELODY

Y PEDRO SAMPAIO

ROZE OFICIAL, MAX CARRA, VALEN,

RAMKY EN LOS CONTROLES

MAX CARRA

LA NOCHE SIN TÍ

LOS HUAYRA

PENSAMIENTOS

AIRBAG

OBSESIONARIO EN LA MAYOR

TAN BIONICA, ABEL PINTOS

12 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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Ca7riel & Paco Amoroso rescataron a

Palito Ortega en su nuevo álbum

El autor de “La felicidad” y Federico Vindver, uno de los productores y compositores de FREE SPIRITS, hablaron sobre

este inédito cruce generacional.

POR EZEQUIEL RUIZ

INTRO

Como una especie de “doce

pasos” para encaminar una

rehabilitación, FREE SPIRITS, el

segundo disco de Ca7riel & Paco

Amoroso, es una colección de

momentos desenfrenados. Por la

música -tan mutante y aventurera

como siempre-, por sus letras -en

las que una vez más tratan de resolver

su vínculo tóxico con el éxito,

la fama, el dinero y los vicios- y,

también, por las colaboraciones y

sampleos a los que apelaron para

esta producción.

Algo que también destaca en esta

versión del dúo argentino son las

múltiples referencias al rock argentino

que asoman en la coctelera

de ritmos. Guiño piojoso en el

título de “Ay, Ay, Ay” (con Anderson

.Paak); otro más en el “solo, lo,

lo… Tan solo, lo, lo” (canción que

Ca7riel tocó con Los Piojos en el

Cosquín Rock 2025) en el doblez

del estribillo de “Soy increíble”;

“Si sigo girando, me muero”, cantan

en “Muero”, motivo del “Sigue

girando” que hicieron recientemente

con Ratones Paranoicos en

Lollapalooza Argentina; “Lo quiero

ya”, en espejo con el tema “insatisfecho”

de Sumo; “Vida loca”

como primo no tan lejano del Mi

vida loca (1995) de los Auténticos

Decadentes.

Pero lo que de verdad sorprende

en este álbum es la aparición casi

milagrosa de Palito Ortega con

su megahit “La felicidad”. Es justo

cuando el tema “Ha Ha” se parte

en dos y el mood para abajo que

viene describiendo Ca7riel hace

un giro de 180 grados en la voz de

Paco. “Y todo gracias al amor... La

felicidad, ah, ja, ja, ja”, se escucha

la voz del tucumano, proveniente

de 1967, justo cuando el beat hace

el quiebre.

“Me siento tan arriba, nada me

baja / ahora todos conmigo se hacen

la paja / si hacemos fecha en

Europa, mi mamá viaja / ayer estaba

so sad, hoy estoy HA HA”, rima

Paco mientras al final de cada barra

se oye un “ja, ja” de Palito.

“A mi me llena de orgullo que

gente joven, talentosa, de alguna

manera haga esto, que es un homenaje,

¿no? Me gustó lo que hicieron.

Evidentemente, la gente joven

va experimentando, va buscando

formas de variar, de combinar sonidos,

ritmos. Y en ese buscar, y en

esa inquietud, de pronto descubren

y hacen un buen collage de melodías.

A mi me llena de alegría que

se acuerden de esas melodías que

uno escribió en algún momento de

su vida. Y que hoy estén recreadas

por estos chicos tan jóvenes tan talentosos”,

dice Ortega a partir de la

consulta de Billboard Argentina.

“Ellos rescataron una melodía

que dio la vuelta al mundo. Se

grabó en alemán, en francés, en

inglés... Las grandes bandas, como

la Ray Conniff en Estados Unidos,

Franck Pourcel en Europa, grabaron

en versión instrumental esta

melodía. Es una canción que me

dio muchas satisfacciones como

compositor. Y el hecho de que

ahora un grupo joven haya recreado

esta melodía, para mí es una

inmensa alegría y estoy muy feliz”,

insiste Palito.

“Yo no sé si tiene algún secreto.

‘La felicidad’ nació en un momento

muy especial de mi vida y es una

canción tan simple. La primera

sorpresa que yo tuve con esa melodía

fue cuando en un concierto,

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 13

---

en el Royal Albert Hall de Londres, la banda

de James Blast estaba haciendo un popurrí

de Beatles y de repente parecía que iban a

terminar con ‘Ob-la-di, ob-la-da’ y la empalman

con (tararea ‘La felicidad’). La gente

bailaba, saltaba, aplaudía al ritmo de este

popurrí. Ahí definitivamente me di cuenta

de que la música tiene esa cosa maravillosa

de que se va por la vida y que, un día, te

sorprende”, insiste sobre la universalidad de

su canción.

“Me gusta lo que hacen Ca7riel y Paco. Y

me gusta en general todo lo que hacen los

chicos jóvenes. Porque nosotros también alguna

vez empezamos soñando, empezamos

una carrera y estábamos buscando la aprobación

de la gente. Gracias a Dios tuvimos

la suerte de encontrarnos con un productor,

que fue el señor Ricardo Mejía, que creó El

Club del Clan, y eso fue una plataforma de

lanzamiento para nosotros. Me parece que

ahora los chicos jóvenes tienen más posibilidades

porque crean una canción, la suben a

una plataforma determinada… Y se van para

el mundo. A nosotros nos costaba mucho,

teníamos que viajar mucho por Latinoamérica

para que conozcan nuestras melodías.

Cambió todo, creo yo que para bien. De

manera que me alegra muchísimo de que los

chicos tengan tantas posibilidades de poder

manifestar su talento a través de estos medios”,

cierra Ortega.

LAS REPERCUSIONES Y EL ALCANCE

“Sí, yo vine por Catriel y Paco Amoroso”,

“Claro que ya habías escuchado este temón.

Pero Cato y Paco te trajeron aquí”, “Palito

Ortega no entendiendo como de golpe subieron

las reproducciones en 72 hs un 1500%”.

Son solo algunos de los comentarios que se

empezaron a acumular en el audio oficial de

“La felicidad” publicado en el canal de You-

Tube de Palito (al cierre de esta nota, 2.5 M

de reproducciones y contando). La pequeña

muestra habla del impacto del dúo al insertar

ese fragmento en su nueva canción.

“Cuando trabajamos con los chicos, ellos son

ametralladoras de ideas y son súper creativos, entonces

todo el tiempo me van diciendo cosas y yo

voy atajando sus penales. Alguno de ellos dos fue

quien mencionó la canción y por eso terminó en

el álbum”, recuerda Federico Vindver, productor,

compositor y responsable de varios de los momentos

musicales del proyecto Ca7riel & Paco Amoroso,

en conversación con Billboard Argentina.

“La canción en sí habla del fenómeno ‘up and

down’. Esta cosa de sentite super feliz un

día y, de pronto, que pase algo y te bajonéas.

Como pasar de la felicidad plena a la

tristeza o a la ansiedad extrema”, describe

el productor, quien en su CV acumula trabajos

con Kanye West, Justin Timberlake,

Coldplay, Nathy Peluso y muchos más.

“Cuando la estábamos componiendo,

hablábamos de qué es lo que representa un

momento super feliz. Y ahí salió la idea de

meter ‘La felicidad’. Hay algo de esa canción,

una magia que la hace única. Tal vez

es la más simple de la historia, pero a veces

es mucho más difícil de que algo muy

simple perdure a través del tiempo y tenga

el impacto que tiene hasta hoy. Trascendió

al tiempo algo tan puro y simple desde la

melodía, la letra, el arreglo… Y está bueno

utilizar eso para representar la parte feliz

de la canción. Al principio, Ca7riel relata

una situación más bien triste, de cómo se

siente en su vida y en los tours. Y cuando

aparece ‘La felicidad’, es la transición. Él

se siente mal, pero Paco se siente bárbaro”,

desarrolla Vindver.

“Creo que refleja la vida nuestra de cada

día. De, en un mismo día, ir pasando por

un montón de emociones. Creo que la canción

representa perfecto la felicidad, justamente.

Como con casi todas las canciones

de ellos, la hicimos de principio a fin. Lo

que escuchás en la grabación es como la

hicimos”, cierra Federico.

14 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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BILLBOARD SHOWCASE

BILLBOARD SHOWCASE

BILLBOARD SHOWCASE

Desakta2 y Tuli Acosta encendieron

la noche en Kopi

Los artistas se unieron para estrenar la versión cuarteto de "No Me Beses" en el formato producido por Billboard Argentina.

POR KARIN LEIVA

n una noche íntima pero cargada de

E energía, el segundo Billboard Showcase

se realizó en la cafetería Kopi. Allí, la

cercanía con el público potenció una experiencia

pensada para celebrar el presente

del cuarteto y sus cruces con artistas de

otros géneros.

La apertura del evento estuvo a cargo de

Bresh, que calentó motores con un set que

preparó el terreno para lo que vendría después.

Pasadas las 21, Desakta2 tomó el escenario

y lo encendió con su carisma desde

el primer momento.

Antes de la música, llegó uno de los grandes

anuncios: su primer Movistar Arena. El

grupo cuartetero se presentará en el venue

el próximo 19 de agosto, confirmando el

crecimiento sostenido del grupo. Acto seguido,

el showcase arrancó formalmente

con una intensa interpretación de "La Diabla",

a cargo de Fer Olmedo.

A continuación, llegó la invitada más esperada

de la noche: Tuli Acosta. La artista

subió al escenario para cantar "Estaba Aquí

Pensando" junto a Joaquín Martín, demostrando

la química que existe entre ambos

proyectos.

Luego llegó el esperado estreno en vivo

de la versión cuarteto de "No Me Beses".

Minutos antes de su lanzamiento en plataformas,

el público fue testigo de una premiere

especial cargada de baile y sentimiento,

que incluyó un mini documental con

imágenes de la grabación del videoclip.

Como despedida, Tuli y Joaquín interpretaron

"Lamentablemente", para cerrar

uno de los momentos más celebrados de la

noche. Luego, Joaquín tomó el protagonismo

en solitario con una versión cuarteto de

"Luna", de Feid.

Por otro lado, el grupo tenía preparadas

algunas sorpresas más: Valentina Olguin

subió al escenario para interpretar sus colaboraciones

"Lejos" y "Aventura", seguida

por Max Carra, quien encendió al público

con su hit "UWAIE" y "Mayor Que Yo" junto

a Joaquín.

El cierre quedó en manos de Fer, que

regresó para comandar el último tramo

del show con una seguidilla de canciones:

"Monaco", "No Se Ve/Chingón", "Mueve

El Poposao", "No Puedo Fingirlo" y "Por El

Contrario". Como broche final, interpretó un

mashup de clásicos cuarteteros compuesto

por pedacitos de "Quién Se Ha Tomado

Todo El Vino?", "La Pupera", "Lo Mejor del

Amor" y "Por Lo Que Yo Te Quiero". De este

modo, terminó de coronar una noche que

celebró la identidad del género y la cercanía

con su público.

Con este segundo showcase, Billboard

Argentina reafirma su apuesta por generar

espacios donde los artistas puedan mostrar

su presente en un formato cercano, conectando

directamente con sus fanáticos.

"Encajaba perfecto en cuarteto": Tuli

Acosta y Desakta2 revelan cómo nació su

colaboración

En la previa del show, Billboard Argentina

entrevistó a Joaquín de Desakta2 y a Tuli,

quienes se mostraron entusiasmados por la

colaboración que acaba de estrenarse. "Yo

solo quiero cantarla con un vaso de fernet

en la mano, sería un placer para mí. Como

cordobesa es un honor escuchar una canción

mía hecha cuarteto, así que estoy muy

agradecida con los chicos", expresó Tuli.

Por su parte, Joaquín contó cómo tomaron

la decisión de hacerle una versión cuarteto

de "No Me Beses": "Es un buen tema.

Cuando lo escuchamos, nos gustó y dijimos

'che, encaja perfecto para hacerlo cuarteto'.

Así que lo fuimos produciendo, intercambiando

ideas, y quedó".

"De por sí, el tema original es una cumbia

entonces tiene como eso de movidito para

sacarlo de lo triste que es la letra. La idea

es algo así como bailar llorando, así que el

cuarteto lo terminó de subir aún más", finalizó

Tuli.

FOTO: @POPIIFT

16 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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FOTOS: @POPIIFT

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 17

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Sebastián Yatra y Billboard Argentina coincidieron

en una charla íntima de música y café

El cantante colombiano participó de una experiencia especial

en la cafetería Kopi, donde preparó café junto a un barista

antes de una entrevista presenciada por sus fans.

E

n un formato cercano y descontracturado,

Sebastián Yatra

fue el protagonista de un

evento especial de Billboard Argentina

en Kopi. El momento combinó

conversación y café, resultando en

una experiencia íntima que mostró

una nueva faceta del cantante.

Antes de la entrevista, el cantante

colombiano se sumó a una dinámica

poco habitual: guiado por el barista

de la casa, se animó a preparar su

propio café detrás de la barra. "Voy

descubriendo cosas con el pasar del

tiempo. Ahora voy a aprender exactamente

cómo se hace el café. [...]

Todo tiene su ciencia, su magia y

su encanto", expresó emocionado el

artista. Entre risas y comentarios espontáneos,

Yatra se mostró relajado

y curioso, involucrándose en cada

paso del proceso de preparar su propia

chemex.

Luego, en formato de charla

abierta presenciada por un grupo

selecto de fans, Yatra tocó distintos

temas en una atmósfera íntima

y cálida, lo que hizo que se abriera.

"Me siento feliz mostrándome tal

cual soy, natural, y creando desde

las ganas y la motivación. Antes

estaba muy pendiente de números,

objetivos, métricas… Y eso te aleja

del arte. Ahora prefiero crear desde

el amor y después ver hasta dónde te

lleva", señaló respecto a su presente

artístico.

Por otro lado, respecto a la experiencia

de sus shows en vivo, el

cantautor colombiano dijo: "Es una

celebración de la vida de cada persona

que viene a verme. Ver a tanta

gente cantando tus canciones es

una experiencia de locos. Incluso

habiéndolo vivido, nunca deja de

sorprenderme".

La propuesta combinó una experiencia

sensorial con una entrevista

en vivo. De este modo, Billboard

Argentina reveló una faceta diferente

de Yatra, más cercana y espontánea,

en un formato de conversación

que apuesta por acercar a los artistas

con sus fans.

FOTOS: POPI GRAÑA / MARIANO KAPLAN

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MAYO 2026

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DE LA SEDUCCIÓN DE BABASÓNICOS

AL MENSAJE DE LAS PELOTAS

Con dos días de shows en el Anfiteatro Municipal, el encuentro convocó a 25 mil

personas con una grilla que reflejó la diversidad del rock argentino.

POR ANTONELLA LOPREATO

E

n la noche del sábado 4 de marzo,

con la segunda jornada de Rock

en Baradero 2026 llegando a su cierre, el

show de Babasónicos se vivía con ánimo

palpitante. En el backstage se cruzaban

músicos de distintas bandas -El Mató

a un Policía Motorizado, Rata Blanca,

Catupecu Machu y Los Pericos- que

iban y venían por camarines, mientras

Adrián Dárgelos y compañía ultimaban

detalles antes de salir al escenario principal

del Anfiteatro Municipal, poco antes

de la medianoche, con una batería de

hits. “Puesto”, “Putita” y “Cómo eran las

cosas” aparecieron en el tramo final del

fin de semana XXL de Pascuas, que reunió

a más de 25 mil personas.

Para entonces, la “República del

Rock” ya había mostrado todas sus

caras. Hubo tradición popular con el

homenaje a Mercedes Sosa que propuso

el grupo folklórico Compañía de

Bombos Renacer; momentos de posicionamiento

político, como el pronunciamiento

de Las Pelotas contra la

Ley de Glaciares; rescates del reperto-

BABASÓNICOS, EL CUERPO DEL ROCK

rio de Pity Álvarez con Los Tabaleros

versionando “Homero” de Viejas Locas

y Do Neurona cantando “Religión” de

Intoxicados; y humor rockero con Marilina

Bertoldi apareciendo disfrazada,

según su propia definición, “mitad Dorothy

de El Mago de Oz, mitad la protagonista

de Pearl”, bromeando sobre “este

mundo que va en picada”.

Billboard Argentina estuvo ahí: repasamos

los cinco momentos más fuertes del

festival.

El nuevo capítulo del grupo llegó a Baradero.

Cuerpos, vol. 1, su decimotercer disco

de estudio, apareció en el festival con

carne, euforia y una banda que convierte

el escenario en un espacio de pura seducción.

Arrancó con “Tiempo off”, pero rápidamente

entraron en juego las canciones

que el público esperaba: “Risa”, “Los calientes”

y el inoxidable “¿Y qué?”, cantadas

por una multitud que abarcaba el escenario

principal, entre chombas de Oasis y celulares

en alto.

A esa altura, el recital ya corría con ventaja

como el más multitudinario de la jornada,

aunque todavía quedaban por tocar El

Mató y Peces Raros. Miles de personas se

apretaban frente a la valla mientras Dárgelos

recorría la tarima con su andar coreográfico

teatral y magnético.

FOTOS: VALENTINO LUZZA

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MAYO 2026

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LAS PELOTAS: MÚSICA CON MEMORIA

Para dar el puntapié inicial a la primera jornada, salieron con un repertorio que

prácticamente se anuncia solo. Mientras terminan de recorrer el país con la gira

federal 6x6 y empiezan a asomar canciones del disco nuevo -que todavía no

tiene fecha exacta pero ya respira cerca-, abrieron con “Saben” y desde ahí armó

una seguidilla de clásicos, con puntos altos como “Capitán América” y “Víctimas

del cielo” (dedicada a la hermana de Germán Daffunchio, quien falleció

recientemente).

En medio del set, el cantante y guitarrista frenó la música y apuntó contra la

Ley de Glaciares. “Quisiera decirle a los políticos argentinos que, a pesar de que

parece que el mundo se ha convertido en una careta superficial donde todo se

simplifica a ser lindo y pasarla bien, conozcan la Argentina. Que recorran los glaciares

antes de votar la ley. No pueden votar algo que no conocen”, dijo antes de

volver a enchufar la banda y arrancar con “Esperando el milagro”. Entre descarga

y emoción, la presentación dejó ese gustito tan propio del grupo.

Minutos después de bajar del escenario, habló con Billboard Argentina junto

a la bajista Gabriela Martínez y volvió sobre otro hito en la trayectoria del grupo:

los diez años de Brindando por nada. “Me dan ganas de llorar cuando pienso en

eso. Es impresionante cómo pasa el tiempo”, expresó Daffunchio. “Es un disco

alucinante. Creo que no lo tocamos lo suficiente porque los shows no pueden

durar cinco horas o seis días. Pero si hay algo de lo que me siento orgulloso de

Las Pelotas es que nos gustan todos los discos que hicimos, todas las canciones.

A la gente le puede gustar más una que otra, pero uno sabe de dónde nació

cada tema y la historia que tiene. Y eso es un orgullo muy especial”.

MARILINA BERTOLDI: “LA IRA LA PODEMOS ATRAVESAR CON HUMOR”

A días de cumplirse un año de Para quien trabajas, la cantante volvió a poner esas canciones en la

euforia del barro. Fiel a su desarrollo como performer, esta vez apareció disfrazada de muñeca pinup

y con cuatro bebés de juguete en brazos, a los que presentó como sus “hijos”. Atrás, el power trio

conformado por Choki Giaquinta en bajo, Nano Cantarini en guitarra y Manu Fernández en batería

armaron una base compacta y ruidosa para canciones como “No quieren más mi rocanrol”, “El

gordo” y un cierre con “Monstruos”, donde el disco terminó de mostrar su propósito.

En la misma edición del festival también estuvo su hermana Lula Bertoldi, quien había tocado

en la primera jornada junto a Eruca Sativa, apenas días después de abrir los shows de AC/DC en

River. Luego de su presentación, se detuvo en esa contradicción entre furia y humor que atraviesa el

personaje que lleva al escenario. “La ira la podemos atravesar con humor”, dijo y amplió: “Es un lindo

lugar de encuentro, sobre todo en estas épocas donde es tan difícil coincidir con el otro. El mundo al

que estábamos acostumbrados se está cayendo a pedazos, nadie la está pasando bien. Del lado que

estés, todo está raro. No cierran las cuentas. Y un poco vine a hablar de eso”.

LA PRÓXIMA ETAPA DE CATUPECU MACHU

“Me emociona ver chicos y chicas de las nuevas generaciones tan entusiasmados

cantando los temas de Catupecu”, nos dijo Fernando Ruiz Díaz apenas

bajó del escenario, todavía con el recital encima. La banda había entrado con

“Secretos pasadizos” y cerró, como manda la tradición, con “Dale!”, ese final

inevitable que ya forma parte del ritual de cada presentación y que el año que

viene cumple treinta años.

El show dejó esa combinación de energía e intensidad que suele envolver a

Catupecu cada vez que se enfrenta a un escenario grande, y además algo de

expectativa. En charla con Billboard Argentina, la banda dejó entrever que

podría tratarse de uno de los últimos recitales antes de la llegada de su nuevo

material. Ruiz Díaz habló de un grupo entusiasmado con lo que viene y adelantó

que el próximo disco apuntará a recuperar un sonido más áspero y directo.

CAMIONERO, EN MARCHA

FOTOS: VALENTINO LUZZA

El camión ya había pasado por Rock en Baradero, pero esta vez el encuentro era otro.

El escenario principal los esperaba como a una banda que viene agrandando su tribu a

cada show. Tras el festival que organizaron el 23 de marzo, en la antesala del Día Nacional

de la Memoria por la Verdad y la Justicia, donde llevaron su ciclo Tracción a Sangre al

C Art Media, el dúo dinámico volvió a encontrarse con esa misma energía colectiva, sólo

que ahora frente a un público todavía más grande con ganas de poguear. A media tarde

del primer día, Joan Manuel Pardo y Santiago Luis interpretaron sus favoritos: “Rico

chico”, “Películas anónimas”, “Lo hago mal, me siento bien” y “La distancia”, entre otros.

Aunque el calendario recién marca abril, el recorrido del año ya se siente largo para

ellos. “Estamos empezando el año y parece diciembre”, dice Luis entre risas, todavía con

la adrenalina del show encima. Para el baterista, el motor del camión sigue siendo el mismo:

“Pedir empatía con el prójimo me parece algo básico”.

Entre comentarios a medias y algo de misterio sobre el nuevo material -adelantaron

que serán diez canciones y que el disco volverá a cerrar con un tema lento, como ya es

tradición en la banda- el dúo confirmó en exclusiva a Billboard Argentina que el 23 de

mayo presentará oficialmente su tercer álbum en el Teatro Flores.

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 21

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Magui Olave

bás?”. Ese día quedé, y después estuve

cuatro o cinco años con Ulises.

Ahí dije: “Esto es lo que quiero”. A

los 15 compuse mi primera canción.

Después me fui a vivir ocho años

afuera, seguí estudiando música y

experimentando con distintos géneros.

Pero cuando volví, en 2016,

armé mi banda de cuarteto y no paré

más. Hoy tengo cinco discos, un

Gardel, y sé que esto lo voy a hacer

toda la vida.

¿La música funciona como una

especie de terapia para vos?

Sí, totalmente. La mayoría de mis canciones

tienen algo mío. Es una catarsis.

Y también lo es interpretarlas en el

escenario, cuando conecto con la gente.

Ahí siento que no estoy sola, que el

otro está pasando por lo mismo, y se

genera una magia muy especial.

“Yo siempre tuve claro lo que quería”

En diálogo con Billboard Argentina, la artista adelanta nueva música, repasa su camino dentro de la

escena cuartetera y reflexiona sobre el crecimiento de las mujeres en el género.

POR KARIN LEIVA

e cantar como corista

D

a consolidar su propio

nombre en el cuarteto. Entre

presentaciones en vivo y

grabación de música nueva, Magui

Olave atraviesa uno de los momentos

más importantes de su carrera.

En la previa de la celebración de

sus diez años como solista, la artista

adelanta nueva música, repasa su

camino dentro de la escena y reflexiona

sobre el crecimiento de las

mujeres en el género. “Me llevó años

que me reconozcan por mi nombre”,

asegura en esta charla con Billboard

Argentina.

¿En qué etapa está tu música?

¿Se vienen lanzamientos?

Sí, estuvimos grabando una nueva

sesión por los diez años que cumplo

como solista en mayo. Se vienen

muchas canciones nuevas y también

clásicos reversionados al cuarteto.

Son seis canciones en total. Es una

producción muy linda para celebrar

estos diez años. Preparamos un tema

de La Oreja de Van Gogh que quedó

muy lindo, y también versiones de

otros géneros que hoy en el cuarteto

funcionan muy bien. Todo va a tener

videoclip, con una estética medio

“lejano oeste”, que después vamos a

llevar al vivo el 16 de mayo en Córdoba.

Va a ser un show más tirado

a la comedia musical, algo completamente

distinto a lo que venimos

haciendo.

¿Qué cambios viste en estos

diez años para las mujeres en el

cuarteto?

La mujer evolucionó muy rápido,

sobre todo en el cuarteto. Era algo

sociocultural también que el público

aceptara a una mujer cantando

este género. Cuando yo arranqué,

hace más de diez años con Ulises

(Bueno), como corista, a la gente le

costaba ver a una mujer en el escenario.

No había muchas. Pero yo estaba

convencida de que el cuarteto también

era para mujeres.

Me llevó tiempo encontrar mi estilo,

componer, lograr que las mujeres se

identifiquen y que el público acepte

una historia contada desde nuestra

mirada. Hoy siento un orgullo

enorme al ver cómo la mujer creció

en el género. En mi equipo somos

30 personas y muchas son mujeres,

también detrás de escena.

Al ser prima de Ulises y de Rodrigo,

¿sentiste que eso fue una

ventaja o una presión?

Sabía que me iba a costar, que la gente

iba a decir que yo hacía cuarteto

por ser “la prima de”, pero siempre

tuve claro lo que quería. Me quisieron

llevar para la cumbia, pero yo

sabía que lo mío era el cuarteto. Entonces

me largué a componer, a armar

mi banda y a hacer mi camino.

Me llevó años que me reconozcan

por mi nombre y no por ser la prima

de alguien. Pero nunca renegué de

mi familia, al contrario: fue un desafío

demostrar que yo también podía

ganarme mi lugar. Hoy siento que

encontré ese espacio.

¿Cómo fue ese momento en el

que dijiste: “Quiero dedicarme

a esto”?

De chica hacía gimnasia rítmica, estaba

en el deporte. Pero en la adolescencia,

yendo a ensayos —mi papá

era baterista—, mi tía me escuchó

cantar y me dijo: “¿Por qué no pro-

¿Recordás la primera vez que

sentiste esa conexión con el

público?

Sí, cuando compuse “Yo ya no soy

yo”. Cuando vi que la gente la cantaba

y se identificaba, dije: “Listo,

cumplí un sueño”. Era una de mis

metas: lograr que alguien se vea reflejado

en una canción mía.

El año pasado compartiste escenario

con Shakira. ¿Cómo fue

esa experiencia?

Fue en el Kempes, en Córdoba. Yo la

admiro desde siempre. Cuando me

llamaron, dije que sí sin dudar, no

sabía ni qué tenía que hacer. Tenerla

cerca, que sea tan humana… Fue

uno de los momentos más lindos

que me regaló la música. Guardo

todo: los lentes, la capa, la foto.

¿Qué artistas mujeres te

inspiran?

Muchas. Me gusta aprender algo

de cada una. Me gustan Tini, Lali,

Emilia, también India Martínez,

Natalia Jiménez, Lady Gaga... Mi

playlist es muy variada: folclore, pop,

flamenco… Siempre trato de nutrirme

de distintos estilos.

¿Con quién te gustaría hacer un

feat?

Me encantaría con Thalía. También

con artistas argentinas como La Sole

o Marcela Morelo. Pero estoy abierta

a todo, la música siempre sorprende.

¿Quién es la mujer más importante

de tu vida?

Mi mamá. Es, fue y será siempre mi

referente. Me enseñó los valores y a

luchar por mis sueños. También tengo

una hija, que es lo más importante

que tengo, pero mi mamá es mi

ídola.

22 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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NO FUE REAL

TOUR

2026

L A T A M

BUENOS AIRES 3 OCTUBRE TEATRO VORTERIX

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Julieta Venegas

20 años de Limón y Sal:

autorretrato de un amor real

Cachorro López repasa la cocina del disco, Dante Spinetta pone en foco el peso de su colaboración en “Primer día” y

Andrés Calamaro suma su mirada sobre la versión de “Sin documentos”.

POR ANTONELLA LOPREATO

“C

on limón y sal” es una metáfora

que en Latinoamérica se

adoptó para hablar del vínculo

con el deseo. Una analogía donde el sabor

aparece recién cuando lo ideal se mezcla

con lo imposible. Hace veinte años, el

30 de mayo, esa noción se volvió disco en

manos de Julieta Venegas, que a lo largo

de catorce canciones le puso sonido a eso.

La degradación de una relación contada

en primera persona, donde tema a tema,

la protagonista atraviesa las etapas de la

separación: desde el síntoma de desgaste

hasta el adiós final, cuando todavía queda

alguna de Andrés Calamaro para dedicar.

Un álbum que no busca culpables y que

por eso mismo queda arriesgadamente

cerca de lo que el amor realmente es. De

ese “que endulza la sal”.

Hace tiempo que el discurso romántico en

la música popular se lee de manera extrema:

o eternidad o caerse a pedazos. En su

cuarto trabajo de estudio, la artista mexicana

pincha el globo del cuento de hadas,

asume que no fue y, en esa renuncia, queda

una ternura a medio armar. “No tenía

ganas de escribir canciones felices. No es

que tuviera que desahogarme, pero sí tenía

ganas de profundizar de otra manera. Creo

que es un disco del amor en todas sus

caras”, así lo ponía en palabras en 2006, en

charla con Humphrey Inzillo.

“Estoy tan cansada de las canciones de

amor / siempre hablan de un final feliz /

bien sabemos que la vida / nunca funciona

así”, lanza en “Canciones de amor”, el

primer track de Limón y Sal, que terminó

acompañando una escena de The Heartbreak

Kid (2007). En cuatro versos, liquida

24 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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la fantasía y da entrada a una obra hecha

en Buenos Aires, con producción de Cachorro

López, coautorías de Coti Sorokin

y el propio López, y un arte de Alejandro

Ros que deja ver la influencia de Frida

Kahlo.

“Suena inocente, honesto y espontáneo”,

comparte Cachorro, en este 2026,

con Billboard Argentina. Venegas venía

de Sí (2003), el disco que la sacó del nicho

y la posicionó en la masividad, con un pop

desnudo, base electrónica y ambición

radial. “La confianza en la dirección

apareció antes de empezar: la vimos

en la reacción del público con su anterior

álbum”, señala. Y suma: “En ese

momento no había un nombre para lo

que hacía Julieta, no había género; estábamos

abriendo un surco. Hoy entrás

a cualquier plataforma y te cruzás con

etiquetas como indie pop, pop alternativo

o cruces con lo folclórico, y detrás

hay decenas de artistas. En ese entonces

era otra cosa, nos metimos en un

territorio nuevo”.

Limón y Sal trabaja sobre una matriz

popular, con el acordeón como recurso

tímbrico, y una tradición sudamericana

que remite a Gustavo Cerati, Mercedes

Sosa y Violeta Parra, mientras

insinúa un corrimiento hacia la rumba.

“No recuerdo qué estábamos escuchando

en esos días. Fueron varios discos

y mucho tiempo compartiendo música juntos.

Lo que sí tengo claro es que no hubo

nada que tomáramos como referencia ni

como guía en la búsqueda que estábamos

haciendo”, remarca López.

CANCIONES QUE DEJARON ATRÁS

EL FINAL FELIZ

Después de la ruptura con Jorge Villamizar,

cantante de Bacilos, le dejó al sonido

la tarea de hacer bailar y llevó la desilusión

a las letras: “Nunca creí en la felicidad /

a veces algo se le parece / pero es pura

casualidad”. El álbum se estructura en una

serie de escenas, un conjunto de anotaciones,

donde la autora encuentra sentido

en lo que, en otro campo, pasaría de largo.

“Julieta es una formidable artista, tiene ese

‘algo’ en el canto, el espíritu inquieto que

se nombre de distintas formas, lo que distingue

a los cantantes que transmiten

más allá de la técnica o los triunfos, la

importancia de los detalles”, la describe

Calamaro tras una consulta de Billboard

Argentina.

Como todos, Venegas tiene su propio

idioma para el amor, su forma de leer al

otro. Si en Andrelo el vínculo se prolonga

en la espera y la negación del olvido, en

Limón y Sal la mirada ocupa el centro de

la historia. Más que en los actos declarativos,

como besar, jurar o prometer, todo se

concreta en los ojos. Construye ese código

de lenguaje como parte de la instrumentación,

un sensor afectivo que precisa los

estados de la relación a lo largo de la obra:

“Mírame bien, te necesito igual, en algo

tan pequeño como ver el día pasar”; “Nada

que venga de afuera me hace más feliz

como sentir tu mirada tranquila sobre mí”;

“Todo entre nosotros está dicho ya, solo

con mirarte ya lo sé muy bien”; “Cree en

mis ojos de alguna vez”.

Otra de las picardías más llamativas

en la lírica de Julieta se encuentra en la

temporalidad del relato. No cocina el clímax,

tira todo a la parrilla, y “Me voy” es el

ejemplo perfecto. Ubicada como segundo

track y primer corte de difusión, es una

“TIENE ESA MAGIA

DE HACERTE SENTIR

QUE SI ENTRÁS A

SU DISCO, ENTRÁS

A SU CASA”

- Dante Spinetta

reducción temprana del conflicto: la decisión

de separarse se formula de manera

directa y a partir de eso, el resto de los

temas se estructuran como variaciones

de esa decisión, explorando la soledad, el

desprendimiento y la feminidad. “Es de las

primeras que me mostró y desde el primer

momento me pareció un bombazo: es un

tema radiante y siempre lo vimos como

una canción que le iba a gustar mucho a

la gente”, explica Cachorro.

También abre el juego y deja entrar

otras voces. Además de los coautores, da

espacio a features que agrandan el disco,

como el de Dante Spinetta (y el de Anita

Tijoux en “Eres para mí”), una sociedad

que venía insinuándose en encuentros

previos entre Argentina y México. Julieta

lo sumó en “Primer día” y, según contó

el rapper, le soltó la rienda, teniendo “libertad

total para escribir y meterse con la

rima del track”. “Yo quería sumarla a ‘Olvídalo’

-canción de El Apagón (2007)-, y fue

como: ‘Dale, yo estoy en tu disco y vos

estás en el mío’. Fue un intercambio lindo

de música. Esa canción se hizo muy popular

y quedó ahí, flotando para siempre”,

recuerda el hijo del Flaco.

“En ese momento estaba solista hacía un

tiempito. Estaba muy metido en el rap,

pero siempre fui un músico del mestizaje.

Sentí que nuestras energías matcheaban

para hacer algo diferente, algo que nadie

se esperaba. Algo que sea una bomba,

y lo fue”, comenta sobre la melodía, que

llegó con un videoclip muy dosmilero

donde se lo ve en sus veintipico, cargando

sandías por distintos puntos de la city porteña.

“Julieta tiene esa magia de hacerte

sentir que si entrás a su disco, entrás a

su casa. Tiene esa fuerza espiritual. Me encanta

el disco y me encanta haber estado

como invitado”, asegura Dante.

Quizás el tema más deslumbrante y el

que mejor interpreta el trabajo sea “Limón

y Sal”, por algo termina dándole nombre al

álbum. Venegas se expone y lleva su relato

al hueso: el otro sigue siendo necesario.

Esa contradicción perfora toda la obra y

se interpone hasta en el orden del tracklist.

Sin ir más lejos, la cercanía de “Dulce

compañía” con esta muestra la fricción. Si

la primera -escrita codo a codo con su exse

para firme como una canción de amor

donde, contra todo, se siguen eligiendo

(“Solo tenerte cerca, siento que vuelvo a

empezar”), la segunda bien podría ser el

momento donde cae la ficha y encuentra

en la serenidad un valor erótico (“Quiero

quedarme tranquila y saborear esta paz”).

Y entre tanto torrente de situaciones personales,

el álbum cierra con “Sin documentos”,

la canción de Los Rodríguez que

había nacido como parte de un homenaje a

Calamaro y terminó en el disco ya que “había

quedado demasiado bien como para

dejarla afuera", le dijo la cantante a Virginia

Collera en El País. A lo Fabiana Cantilo,

cambia el temperamento y reordena el

sentido de la letra. “La versión de Venegas

es extraordinaria. Qué privilegio que exista

dentro y fuera de aquel doble disco "homenaje"

de Sony”, destaca El Salmón y remarca:

“No todas las canciones tienen madera

para que otros cantantes las mejoren, no

son estándar o penden de un estilo estético,

conceptual o ancladas a una época; no

todo el rock se deja ‘versionar’ con esa

elegancia y encanto. Me honra”.

Los números ordenan el fenómeno, aunque

“NO TODO EL

ROCK SE DEJA

‘VERSIONAR’

CON ESA

ELEGANCIA Y

ENCANTO”

- Andrés Calamaro

dicen menos de lo que prometen. Limón y

Sal superó los 8 millones de copias, encadenó

platinos en buena parte del mapa latino

y sumó un Grammy Latino y uno anglo

(en empate con Ricardo Arjona). Desde

2006, sus canciones siguen rotando en radios

y encontrando auriculares en cualquier

ciudad. La explicación es más corta de lo

que parece: el amor circula en todas partes

y, a diferencia de otros temas, nunca agota

del todo su sentido.

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 25

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DEL POP AL HARD ROCK PASANDO POR EL HIP HOP. KANYE WEST, FOO FIGHTERS, HARRY STYLES

Y MORRISSEY, REFERENTES EN SUS GÉNEROS, NO DEFRAUDARON CON SUS NUEVOS DISCOS.

POR FACUNDO ARROYO

BULLY

YE

Kanye West, que desde el 2021 es Ye, no fue víctima de su trastorno bipolar para este nuevo disco. Es todo un avance

y un gesto de maduración importante. Queda para los especuladores decir que fue gracias a su equipo de producción

y que él no tuvo nada que ver. Lo cierto es que su nueva música se desmarca de sus inclinaciones fascistas y vuelve a

buenos instrumentales para decir algunas cosas. Es verdad, son pocas, pero al menos no ofende a casi nadie. Y tiene,

además, una cruz clavada en el pecho. Esa que dice que fue el rey definitivo del rap y el pop a inicios de este siglo.

Un rey que fundamentaba su jerarquía a través de obras maestras hechas discos. Esa vara no sirve para este 2026 de

recomposición. Es injusto poner a Bully en ese contexto. Con el poco resto que le queda, más esta actualidad con cierta

calma, Ye sigue ganando en la mejor liga. Es verdad, por la mínima, pero gana. Y esto a pesar de decisiones súper extrañas,

como la de colaborar con Peso Pluma y cantar sus partes de manera bilingüe en esa canción tropical que tituló

“Last Breath”. El mexicano de los tumbados lo dice mejor en una de esas líneas: “No te olvides que yo te di todo”.

Your Favourite Toy

FOO FIGHTERS

Crecer, para la banda comandada por Dave Grohl, tuvo que ser a través del dolor. Este, el duodécimo disco de FF, es el

primero sin Taylor Hawkins (1972-2022). Lo grabaron en su estudio de Los Ángeles y fue coproducido junto al ingeniero

Oliver Roman. La novedad es que no trabajó Greg Kurtin junto a la banda. Grohl dejó entrever que el tema que dio

origen al disco es “Your favourite toy”, tanto es así que también se quedó con el título de la obra. En el esqueleto musical

de este track está la potencia del inicio de la banda, de sus primeros discos. Un poco el guion de las otras nueve canciones.

Pero, además de la crudeza hard y su potencia, también hubo un espacio para la balada con “Askind for a friend”.

Es la despedida del disco y, podríamos decir, el adiós a Hawkins. Tiene el peso grunge del pasado de Grohl y la emoción

de otro de sus amigos que también dejó este mundo de forma temprana. Es como si el cantante haya estado destinado

a que la maduración de la vida tiene que ser a través de la muerte y la amistad. Para eso, también, quedan las canciones

como esta en la que sigue pidiendo un amigo. Con el primer verso de esta nueva canción alcanza: “Guarda tus

promesas hasta que nos volvamos a encontrar”.

Kiss All The Time. Disco, Occasionally

HARRY STYLES

El cuarto disco del joven mimado del pop no es lo que esperaban. Y, a priori, eso pareciera una traba en esta corta discografía

pero no. Lo que pasa con este varón heterosexual deseado en todo el mundo es que está recluido, y encantado,

con el vínculo que trazó con sus fans. Dando besos todo el tiempo y yendo, de vez en cuando, a bailar intentó hacer

un disco de dance-pop con buenas influencias provenientes del indie. Producido por Kid Harpoon y Tyler Johnson la

luz central de todo ese arrastre hacia la pista fue LCD Soundsystem pero también las imágenes borrosas de la escena

de clubes de Berlín y las carreras de maratón. En la canción “American girls” se pueden desmenuzar las intenciones de

todo el álbum. El sonido cosmopolita, con tintes de su identidad estética algo más lavada, el foco del receptor, el tempo

cansino y nocturno y algunas líneas directas como esta: “Mis amigos están enamorados de chicas americanas. / Lo he

visto por los escenarios de todo el mundo”. Kiss All The Time. Disco, Occasionally, son doce temas que están en la pista

pero después de los momentos más álgidos de una noche tranquila.

Make-Up Is a Lie

MORRISSEY

Hacía seis años que el ex líder de The Smiths no sacaba un disco. Y la deuda era mayor porque tanto California

Son (2019) como I Am Not a Dog on a Chain (2020) no habían estado a la altura de uno de los compositores más

brillantes del pop británico. A Morrissey siempre le achacan dos cuestiones trascendentes: la falta de un cómplice

melódico para su música y sus inclinaciones políticas y sociales reflejadas en sus declaraciones y hasta en

algunos aspectos de su performance. Todavía está en la retina de sus fans las insignias del partido For Britain

que mostró en su actuación en 2019 en The Tonight Show With Jimmy Fallon. Quizás, como gesto de maduración,

Morrissey limpió un poco todo eso en este Make-up Is a Lie y salió airoso de sus últimos derrapes discográficos.

Tanto es así, que en la canción “Notre-Dame” no sólo hay una buena visión compositiva sino que también consigue

ese arrastre dramático para su melodía referente. También ahí consigue el mejor contexto para frasear de la

manera más grave versos como: “Sabemos quien intentó matarte (...) No nos quedaremos callados”. Ahora falta

que no suspenda la presentación oficial de este buen capítulo para que la maduración sea finalmente confirmada.

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OK Pirámides

TE LLAMAMOS, SU DISCO

"MÁS LUMINOSO"

Julián Della Paolera, Nacho Jeannot y Loló Gasparini firman nueve canciones que abordan

la industria, el caos contemporáneo y esa necesidad de “volver a llamar a la belleza".

POR ANTONELLA LOPREATO

J

ulián Della Paolera,

Nacho Jeannot y Loló

Gasparini siempre fueron

un poco los díscolos del rock. Escuchan

a The Beatles con la misma

pasión con la que analizan las diversas

bandas de Luis Alberto Spinetta,

pueden decir que Ok Computer

(1997) no es "lo mejor" de Radiohead

y, al mismo tiempo, conservar

un tipo de percepción que sospecha

de cualquier etiqueta protocolaria.

Tres melómanos de oído inquieto

que hacen canciones sobre la industria

musical mientras la miran con

suspicacia, o eso tratan de escarbar

en Te llamamos, el nuevo disco que

acaban de presentar con OK Pirámides,

la banda que completan Manu

Duka y Carmelo Puy.

"Estamos medio jodidos", dice

Loló en charla con Billboard Argentina.

"Por eso aparece esta idea

de 'llamar a la belleza'. Hay que estar

atentos a dónde te parás para que no

te consuma la boludez, lo falso y lo

superficial", agrega. "El disco tiene

esa especie de pregunta: 'Te llamamos…

¿a quién llamamos?'", explica

Della Paolera. "Entonces te empezás

a preguntar: ¿la gente está llamando

a la popularidad? ¿Al billete? ¿Quién

está llamando exactamente?". Una

llamada que se lanza esperando alguna

señal de vuelta o, aunque sea,

la posibilidad de que del otro lado

alguien levante el tubo.

Hay una sensación de mayor

claridad, incluso de cierta luz,

en Te llamamos. ¿Fue una búsqueda

consciente?

LOLÓ: Queríamos hacer las cosas

de una forma determinada. Fuimos

persiguiendo esa idea y, de a poco,

fue apareciendo. Cuando ya teníamos

las canciones, empezamos a

pensar cómo grabarlas, qué forma

debía tener ese sonido y con qué

personas queríamos trabajar. Fue

un proceso un poco más consciente

que en otras oportunidades, o

menos urgente. La dificultad que

uno tiene es que cuando hace algo

lo quiere mostrar enseguida. Y esta

vez fue un poco dedicarle el tiempo

de otra manera. Creo que eso

se ve en el resultado. Estamos felices

con cómo suena, con el amor

que le pusimos. Así que, sí, es un

poco más pop y luminoso en todo:

desde la lírica hasta la claridad del

sonido.

El disco gira en torno a la idea

del "disfrute", de tomarse el

tiempo para hacer las cosas.

Cuando entraron al estudio,

¿sintieron algún tipo de presión

por los tiempos de la industria o

por la lógica de la viralidad que

domina hoy la música?

LOLÓ: Nosotros hace rato que hacemos

música, vivimos muchos cambios.

Uno viene con un bagaje de un

montón de experiencias. Estás abierto

a cómo sucede todo hoy, pero a la

vez tratás de resguardarte un poco.

Hay algo de resistencia en conservar

ciertas cosas, sobre todo en relación

con la música en sí. Para nosotros

eso siempre es lo principal. Estábamos

concentrados en hacer eso. No

tuvimos ninguna presión. Hicimos

lo que quisimos, como quisimos. En

ese sentido fue una libertad total.

Siempre nos manejamos así.

JULIÁN: El proceso de grabación

del disco fue bastante así. Producimos,

ensayamos. Después también

lo "horneamos". Estábamos ahí, lo

grabamos en Unísono, el estudio de

Gustavo Cerati, ya sabiendo lo que

íbamos a hacer.

Se perciben varios géneros, desde el

rock hasta climas más reggae o ambient.

¿Qué estuvieron escuchando y

cómo hacen para que esas influencias

se integren en un mismo sonido

de banda?

NACHO: Hay un diálogo bastante

abierto. El que compone está permeable

a lo que le pueden mostrar

los demás. Como un aporte estético

de cada uno.

LOLÓ: Claro, cada uno lleva su

personalidad. A mí me encanta la

electrónica, escucho un montón. Y

capaz uno siempre quiere tirar para

un lado, pero en realidad eso es lo

que genera un sonido propio. No hay

un patrón o un género que mande

totalmente.

Eligieron "Nos fascinará" para

cerrar el disco. ¿Cómo llegó esa

canción a ocupar ese lugar?

JULIÁN: "Nos fascinará" es el último

tema del disco y quedó como

rebotando ahí. Como canción tenía

unos acordes y una sonoridad que

nos hacían sentir que la letra podría

decir muchas cosas; no tenía que ser

unidireccional sino multidireccional,

en lo que te dispara. En ese plano

conecta también con la idea de Te

llamamos. Poder hacer un montón

de cosas. Decir: "Dulce belleza, te

llamamos, ¿estás viniendo?". Y también:

¿nos fascinará hacer un disco

de rock?, ¿nos fascinará hacer este

disco?, ¿nos fascinará poder reflexionar

sobre una obra? Nos fascinará.

Nos gustará.

FOTOS: GINA LOY

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Cuarto álbum de estudio

y tercera tapa de Billboard

Argentina para Mateo, quien

vive una etapa de cambios,

sentimiento de pertenencia y

revalorización de patriotismo.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

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“Y

a había hecho

un disco para

mi barrio, uno

para mi gente

y otro para

mi país, era el

momento de

hacer uno para mí”. Así comienza Trueno

una nueva conversación de portada,

la tercera en su carrera para Billboard

Argentina.

En esta ocasión nos recibe en

SoundVision, mismo estudio de San Telmo

donde un mes atrás Joaquín Levinton

nos abrió las puertas. Es 23 de abril y

estamos a pocas horas del estreno de su

cuarto álbum de estudio, Turr4zo, donde

refleja volver a sus raíces y donde, según

él mismo, reúne lo mejor de cada uno de

sus anteriores trabajos: Atrevido, Bien o

Mal y El Último Baile. “Tiene un poco de

cada uno; el estilo atrevido del primero;

el hip-hop del otro y el sentimiento de

pertenencia del último. Es, sin dudas, mi

mejor álbum”, comparte entre sonrisas y un

mate que no puede abandonar.

Pasadas las cuatro de la tarde, y luego

de más de dos horas de producción

fotográfica, comenzó la entrevista (una

más para su historial) pero con un contexto

totalmente renovado. A lo largo de 2024

y 2025, Trueno recorrió el mundo gracias

a sus dos últimos discos. Estados Unidos,

España, Alemania, Perú, Colombia… No

dejó un rincón del globo sin hip-hop, y

no puede estar más orgulloso de ello:

“Lo que conseguimos en estos años fue

inimaginable, le debo muchísimo a mi

gente”, reflejó con una sonrisa cómplice y

una mirada que buscaba algún momento

de aquel pasado.

Por supuesto que Argentina no podía

faltar, si bien La Bombonera - estadio de su

querido club Boca Juniors - es una cuenta

pendiente que pronto buscará saldar, cada

año se renueva y busca lugares especiales

para presentar su obra. A lo largo del

2025, Estadio Ferro el 11 de diciembre y

el Teatro Coliseo bajo el marco de Red

Bull Symphonic fueron solamente dos de

los momentos donde su público pudo

disfrutar del estilo tan particular de Mateo

en el show en vivo, tan explosivo como

introspectivo a la vez.

Esta producción no fue una más para

Palacios, tanto a nivel personal como

artístico. Protagonizar la portada lo

convirtió en el primer artista masculino

en ser cara de tres tapas de Billboard

Argentina - Lali fue la única artista

femenina en lograrlo hasta la fecha -, y

no es algo que él se tome a la ligera. Es

un reconocimiento que llega luego de

los años más explosivos de su carrera,

con la internacionalización que consiguió

gracias a éxitos como “Dance Crip” o “Real

Gangsta Love”, track que lo llevó a su mejor

posición en el Billboard Hot 100 hasta el

momento, No.22 a mediados del 2024.

Frente a esto, Trueno afirma: “Es zarpado

para mí… Trato de nunca perder la emoción

y tratar de acordarme de cuando era chico

y veía tapas de Billboard de raperos súper

grandes y la dimensión que tienen… Me

gusta llegar al público de esta manera,

me siento muy agradecido y lo disfruto a

pleno, sin importar que sea la tercera o el

número que toque”.

Sin embargo, entre nostalgia y mucha

emoción, Trueno deja claro que no está

pensando en el éxito global con este

trabajo, “¿si llega? Mejor, obvio, pero

estas canciones son para mí, mi familia

y mi gente, no pienso en nada más”. La

cuarta entrega de “RAIN” es el claro

reflejo de lo que significa Turr4zo para él

y Tatool, el productor líder del proyecto,

una canción que nació con otro objetivo:

ser un mensaje para su papá, Pedro

Peligro, y su madre Juliana Corazzina.

La canción está escrita desde el corazón,

como si Mateo hubiera tomado el lugar de

Trueno a la hora de componer. Salió de los

roces, las barras crudas y el bombo como

protagonista para centrarse en el amor y en

intentar devolverle algo de lo que ellos le

dieron a lo largo de los años. “Esa canción

no iba a ser ‘RAIN’, se iba a llamar ‘Palacios

Corazzina’ en honor a ellos dos, pero tiene

tanto sentimiento que merecía ser la cuarta

entrega”.

Por otro lado, el álbum reparte sonido

y estética entre canciones propias y

colaboraciones, como el Pity Álvarez,

en “Pity In The Sky” - la que él considera

como la colaboración más importante

de su carrera -; Andrés Calamaro, en

una nueva versión de “Mil Horas”; viejos

conocidos como Milo J en “PUMAS” o

Maria Becerra en “90s” y así también

feats inéditos como Ruben Rada en

“URUGUAY” y Neo Pistea en “GRILLZ”. A

lo largo de toda esa mezcla de sonidos,

estilos y significados, Trueno consigue

darle un nuevo valor a su carrera y a la

manera de representar la Argentina,

porque si con Bien O Mal o El Último Baile

demostró lo que es nuestro país al resto

del mundo, con Turr4zo mostró con lo que

se crió y cuál fue el resultado.

“Quisimos mostrar un poco de historia

argentina y mi propia vida. Samples de

Sandro, los Wachiturros, Ruben Rada,

Spinetta, Cerati y Miranda!... El mayor

desafío fue que conviva con lo que yo

hago hoy en día”, expresó al momento de

repasar cada uno de los feats.

¿Notás algún cambio en vos entre la

segunda portada y esta?

Creo que trabajo mucho en cambiar en

cada etapa y en cada álbum, me gusta

mostrarle a la gente una faceta diferente

cada vez. El Trueno de Atrevido no es

el mismo de Turr4zo, para nada, si bien

soy el mismo, con mis valores y mis

creencias, hay muchas cosas diferentes

y ahí está la magia. Cada disco es una

búsqueda y un desafío nuevo. Son dos

años donde represento el disco, lo giro y

lo exploto.

¿Entendés todo lo que conseguiste a lo

largo de estos años?

Justo antes de este álbum fue la primera

vez que me tomé un respiro de las redes

y desconecté un poco para analizar lo

que vivimos. El Último Baile fue un disco

que volvió global el proyecto, con una

repercusión inimaginable. Eso significa

muchas fechas, más entrevistas… Es muy

demandante, hay que emplear mucha

energía para ello. Me encantó, que no

se malinterprete, me hizo entender el

momento y cómo dosificar las cosas. Para

armar este cuarto proyecto tenía que

descansar, tomarme un rato para analizar

todo y aprender a disfrutar.

¿Se te pasó por la cabeza pensar en

que quizás no conseguirías la misma

internacionalización que con ese último

disco?

Es algo que realmente no me planteo.

No pensamos en cuál va a ser el hit en

ninguno de los proyectos porque la gente

toma cada uno como propio y eso es algo

muy subjetivo. “Mamichula”, “Feel Me”,

“Real Gangsta Love” que fue la explosión

máxima… Ninguno de esos temas son los

que nosotros pensamos que le iban a ir

bien en un principio. Me gusta hacer las

cosas genuinas y si pasa algo como lo que

ya vivimos tomarlo con la mejor actitud y

sorprenderme. No tengo que idealizar y

creer en lo que puede llegar a pasar.

Volviste a tus raíces pero también

mezclase pop y cumbia, era momento de

probar algo nuevo.

Tal cual. Todos mis álbumes fueron

dedicatorias y homenajes, para agradecer

algo externo, y faltaba un disco que

englobe todo y fuera para mí. Siempre

intenté dividir lo urbano, lo comercial, el

hip-hop y otros géneros en sus propias

burbujas, pero ahora hacía falta reunirlo.

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Tenía que poner en juego todo lo que

aprendí.

ME FALTABA UN ÁLBUM

QUE ENGLOBE MI VIDA

“Y FUERA PARA MÍ.

Es un disco mucho más íntimo, algo que

no es nada fácil a este nivel.

Totalmente. Siempre entendí que el arte

es un medio de comunicación y eso me

hizo querer ser fiel y transparente con

mis sentimientos, haga lo que haga. Hay

mucha idealización afuera… Hay mucho

esquema armado de ser de una manera o

ser de otra, y no quería que me vieran así.

Si alguien me tiene como referente, quiero

que me vea como uno más, una persona

normal que sangra, llora, es vulnerable, que

le pasan cosas buenas y malas… Así logré

también algo dinámico en la música y que

cada canción tenga su momento. Turr4zo

es el disco donde mejor pude elegir esos

momentos y reflejarlos.

Lo más introspectivo, sin dudas, lo

vemos en “RAIN IV”. ¿Verdad?

Tenía que ser especial. Era otro tema, se

llamaba “Palacios Corazzina” en honor a

mis viejos. Yo quería escribir como hijo, un

homenaje hacia mis viejos, algo que nunca

había hecho. Cuando lo terminamos,

que fue el último campamento de todos,

donde yo también estaba como productor,

estábamos escuchando de nuevo la

canción y decidimos que sea “RAIN IV”, le

pusimos una lluvia y quedó. Para mí es el

mejor de los cuatro, sin duda.

¿Tus padres ya lo escucharon?

Todavía no, quiero que sea una sorpresa.

Ellos me pidieron que se los muestre

pero quería que reaccionaran conmigo

y lo escucharan cuando ya estuviera el

disco fuera. No les dije que ni que era

“RAIN” ni nada. Me va a gustar tocarlo

en vivo también porque va a ser un

momento de conexión total, con ellos y

con el público.

¿Cómo definirías la palabra turrazo al

resto del mundo?

Lo primero es que siento que hay una

búsqueda por mi parte de reivindicar el

término sin el lado negativo. Hay ciertas

palabras como esta o “sudaka” que tienen

una connotación negativa. Los turros

son los pibes que venimos de una clase

obrera, no hay mucho más que eso. Pibes

emprendedores, con chispa, atrevidos

con la mente despierta, que tienen valores

y se buscan la vida. El disco también se

llama así porque hay una idea de que la

gente pueda entender cómo es la jerga

argentina y su cultura. Cada país tiene sus

propios turros, que son personas de barrios

humildes.

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“ EL ARTE ES

UN MEDIO DE

COMUNICACIÓN.

QUIERO

SER FIEL Y

TRANSPARENTE

CON MIS

SENTIMIENTOS. ”

¿Te importó el “qué dirán” cuando

anunciaste el nombre?

Para nada. Por suerte hace tiempo que

vivo con la exposición y los comentarios

negativos que conlleva. Aprendí a tratar

con el qué dirán y a no encerrarme en los

pensamientos intrusivos que generan. Hoy

me encanta escuchar a todo el mundo,

no me quiero quedar con lo bueno nada

más, si alguien me critica y tiene algo para

decir lo tengo en cuenta y lo asimilo. Si es

personal no hay mucho más para hacer

tampoco.

¿Cuál fue la mayor dificultad a la hora de

llevar los samples a tu universo?

Por suerte pudimos trabajar con varios

productores porque no fue para nada

fácil llevar algunos sonidos a mi mundo,

me costaba escuchar “Estilo Sudaka”

con otro beat o entonar como en “90s”,

junto a Mari. Cuando se lo mandé dudé

mucho en si dejarlo así o hacer algo más

parecido a nuestra anterior colaboración.

Hoy lo escucho y agradezco que

hayamos tomado esta decisión porque

está espectacular. Eso me ayuda a no

encasillarme. Los dos salimos de nuestro

terreno, es un nuevo sonido para los dos.

Es increíble el paralelismo que uno

puede hacer con sus carreras, desde

YouTube hasta los grandes escenarios.

Justo hablaba con ella hace unos días

sobre este tema, y nos dimos cuenta

que empezamos desde el mismo lugar.

Tenemos un camino parecido, donde

conectamos primero en un ambiente y

después volvimos a encontrarnos años más

tarde ya consagrados en otro. Es una chica

que luchó muchísimo.

¿La ves freestyleando?

Estoy seguro que le iría muy bien. Tiene

chispa y es muy inteligente, seguro le gana

a unos pares.

¿Extrañás ese Trueno joven?

Más allá del momento o de lo que hacía

puntualmente, lo que siempre intenté fue

mantener la pasión, por lo que de alguna

manera no lo extraño tanto. Lo que me

gustaba era quedarme horas y horas

pensando, creando o editando algo. Eso

se convirtió con los años en la música pero

sigo siendo el mismo nene que le gusta

descubrir cosas, siento que no se perdió

esa chispa y ambición creativa, lo sigo

viviendo de otra manera.

A lo largo de esta conversación, Trueno

recorrió todo el camino que Turr4zo

significa para él, desde la idea original

hasta la madrugada donde finalmente vería

la luz. Un momento particular fue cuando

recordó que no se iba a llamar así, sino que

la canción homónima es la que finalmente

lo bautiza. “Siempre hice los discos con un

nombre y un concepto claro, pero este fue

2015

2017

2020

2023

2025

25 de marzo

de 2002

2016

2019

2021

2024

2026

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 35

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“El escenario es mi lugar en el mundo. No lo quiero perder nunca.”

al revés, teníamos casi todas las canciones

y necesitábamos encontrar un nombre que

pudiera englobar todo lo que significa para

nosotros”.

“Turrazo”, fue el empujón necesario para

finalizar el proyecto y finalmente descubrir

su sentido, y con mucha razón. En la

canción utiliza un sample de “Tírate Un

Paso”, el éxito de los Wachiturros estrenado

en 2011, y que marcó un antes y un después

en el movimiento en la Argentina.

¿Por qué elegiste la intro de “Turrazo”

como trailer del disco en tus redes?

La verdad que fue algo muy natural porque

sabíamos que ese iba a ser el focus track

del álbum y la intro nos parece espectacular.

Sabíamos que si compartíamos ese

fragmento la gente iba a explotar de

curiosidad por saber lo que venía.

Y así fue, la publicación llegó a más de 1.5

millones de likes a tan solo tres días de su

posteo.

La gente se esperaba un remix de “Tírate

Un Paso” y al final no tiene nada que ver,

sólo usamos esa pequeña parte de la intro y

después rompimos un rap, estoy seguro que

les va a encantar.

Fue una especie de regalo para el Mateo

de 2012.

Totalmente, a ese mateo que se vestía

como los “Wachis”... Protagonizaron un

movimiento gigante en nuestro país y

quería que estuvieran presentes. Teníamos

un disco con mucho folklore y referencias

tradicionales y sentía que faltaba calle,

algo con lo que me haya criado.

¿Hablaste con ellos a la hora de preparar

esa canción?

Claro que sí, por lo pronto era necesario

para pedirles permiso para usar el sample.

Tuvieron siempre la mejor opción, hablé

mucho con Simón para también tenerlo en

cuenta en shows en vivo. En su momento

cortaron la diferencia que había entre el

rap, la cumbia, el rkt… Eso es algo que

aprecio mucho e intento hacer hoy en día.

Sabemos que en en este álbum

ejerciste también de productor, ¿en qué

canciones tomaste ese rol?

“PUMAS” y “90s” las empecé a producir

yo, obviamente lo principal, lo más básico,

después la parte importante se la dejé

a los que saben. Es algo en lo que me

estoy centrando porque me gusta mucho,

quiero saber el origen de cada sonido, de

cada canción, de cada negra… Siento que

sería un gran paso para crecer.

Qué buena conexión que encontraron

con Milo J.

Nos llevamos bien porque siento que él me

representa a mí y yo lo represento a él. Estamos

muy conectados en nuestro día a día, solemos

juntarnos a ranchar a tomar mate y jugar al

fútbol. Somos bastante parecidos en general, y

también en la música. Sabemos qué queremos

para nuestra carrera y qué queremos transmitir.

Lo tomo como un hermano más chico y todo en

lo que pueda ayudarlo lo voy a hacer.

Los dos lograron pasar de referentes de lo

urbano a referentes del folklore argentino, de

los sonidos tradicionales.

Eso fue lo más difícil para los dos, siento. Lo

urbano es lo primero con lo que un niño crece y

cuesta mucho salir de ahí para hacer música con

prestigio y trasfondo. Hemos hablado mucho

porque mientras él hacía su álbum yo estaba

haciendo el mío, nos compartíamos muchas

cosas. Él se nutre mucho del folklore y logró algo

trascendental.

Un álbum que va a ver el mundo en vivo pronto.

Obviamente, lo vamos a llevar por todos lados.

Para mí, Buenos Aires siempre va a ser lo más

importante, por supuesto, la gente sabe dónde

lo quiero hacer y estamos en tratativas para ello,

siento que me lo merezco. Sé que es para mí.

Igual estamos preparando un cambio de show

para esta etapa, logramos una gran fusión de

rock con rap en estos años pero es momento de

evolucionar.

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Silvestre Dangond en Argentina:

“Grabé un tema con La K’Onga y

ahora nos espera el Movistar Arena”

El referente colombiano vuelve a nuestro país con una fecha doble en Buenos Aires y Córdoba.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

S

ilvestre Dangond comenzó

su gira internacional El Baile

de Todos en su casa, Colombia, ante

más de 200 mil personas entre los 15

estadios recorridos a lo largo de todo

el país. Y eso fue solo el comienzo.

Luego de esos primeros shows, el referente

del vallenato viajó a Estados

Unidos para interpretar su nuevo álbum

El Último Baile. Y ahora será el

turno de Argentina: 22 de mayo en

el Movistar Arena de Buenos Aires

y 23 de mayo en Quality Arena de

Córdoba.

Lo importante para Dangond en

estos shows, sobre todo con el público

local, será disfrutar. “Son un par

de horas donde quiero que la gente

se relaje, disfrute, baile y conecte

conmigo y con la banda. Intentaré

transportarlos a otro mundo”, compartió

en entrevista para Billboard

Argentina durante su paso por el

país.

Esta celebración llega luego de recibir

un nuevo Latin Grammy a Mejor

Álbum de Cumbia/Vallenato por el ya

mencionado El Último Baile, siendo

este el cuarto galardón que recibe en

la misma categoría.

“Este tour ha sido una celebración

increíble. Lo que vivimos en Colombia

fue histórico, en Estados Unidos

espero tener una experiencia maravillosa,

y ahora poder llevar mi show

a Argentina me llena de emoción.

Siempre he sentido el cariño de estos

países y quiero que vivamos juntos

una noche inolvidable”, compartió.

Además, su paso por la Argentina

no fue únicamente de prensa, ya que

antes de irse de la entrevista nos compartió

una exclusiva que pronto verá

la luz: una canción con La K’Onga.

“Descubrí que ellos tienen 23 años de

carrera también, yo tengo 24… De

alguna manera teníamos que colaborar

y poder hacer algo juntos, ya era

momento. Grabamos el videoclip y ya

tengo muchas ganas de que puedan

escuchar el resultado final”.

¿Argentina es importante para

vos?

Demasiado. Quiero que sepan que

no son una opción para mí, son realmente

importantes.

¿Por qué crees que generaste

tan buena conexión?

Al final somos uno solo… El vallenato

es muy fuerte acá también, sobre

todo en provincias como Córdoba.

Hay algo que nos une, a pesar de

que con el fútbol nos estamos dando

garra siempre, hay algo natural que

hace que nos admiremos mutuamente.

Buenos Aires tiene una nostalgia

especial.

Hay mucha gente que está

esperando el 22 de mayo para

poder disfrutar tu show, es casi

como estar en otro mundo para

ellos.

Qué buena percepción, muchas

gracias. Para mí es otro mundo también,

es un momento de verdad donde

sincronizamos alma, espíritu, sentimiento…

Es momento de liberar

tanta cosa que uno lleva dentro. Con

el público mezclamos esa energía y

nunca para, siempre nos quedamos

con ganas de más.

También es importante para mí el

venue donde vamos a tocar porque

quiero ir con todos los chiches posibles.

Hace poco fui a ver el show de

Laura Pausini y el Movistar es algo

majestuoso. Me ha pasado en muchos

venues de que la gente se tiene

que quedar sentada por norma, y en

mis shows me gusta que la gente baile,

se mueva… Somos movimiento.

¿Te llegan muchos mensajes de

artistas nuevos agradeciéndote

o queriendo formar parte de un

proyecto?

Por suerte sí, y es algo muy lindo para

mí, pero también conlleva responsabilidades.

Si pasa eso significa que

algo bonito has estado haciendo, y eso

me encanta. Me gusta que los artistas

propongan, se sacrifiquen… Marquen

una voluntad para conseguir su identidad.

Uno tiene que saber aguantar

porque hasta los que critican son necesarios,

es más fácil perderse sin ellas.

¿Te queda mucho pendiente

para 2026?

La verdad que sí. Vienen más fechas

para el tour, más colaboraciones y

mucho más trabajo, sobre todo ahora

que viene el Mundial. Es un momento

para ver fútbol y retroalimentarse

para ponerse nuevas metas. Vamos a

tener un show en México justo antes

del partido de Colombia así que vamos

a disfrutarlo un montón.

FOTO: VALENTINO LUZZA

38 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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Track X Track

LA PORTUARIA Y SU OBSERVACIÓN SOBRE LA ESPECIE HUMANA

El legendario grupo vuelve

a la carga con nuevas

canciones: La vida en la

tierra es su primer disco

de composiciones nuevas

desde 2008.

POR EZEQUIEL RUIZ

18 años después de su última colección

de canciones inéditas (La

vaca atada, 2008), La Portuaria

regresa con un nuevo álbum de

estudio. La vida en la tierra es, en

esencia, la vuelta a las canciones

y composiciones originales; pero

más importante aún, un trabajo

que reafirma la singularidad de esta

banda histórica del rock argentino.

“Hay temas que compusimos

especialmente para este proyecto

cuando sabíamos que estábamos

al borde de grabarlo. Rescatamos

también muchos temas que estaban

prácticamente terminados.

Fue el producto del reencuentro

entre nosotros dos, pero

también de otros que ya no

están. Es lo mejor de los últimos

cinco años de laburo”,

resume Diego Frenkel en

conversación con Billboard

Argentina. A su lado, Sebastián

Schachtel completa el

binomio al que el cantante

hace referencia.

En el último lustro y medio,

pandemia mediante, la banda

había vuelto a los escenarios

con una formación que incluía

a Christian Basso, uno

de los miembros originales.

Hoy no está dentro del proyecto

y La Portuaria se completa

con María Eva Albistur

y Fernando Samalea.

“En suma, el disco va de

reflexiones que tienen que

ver con la vida, la sociedad, lo

político, lo familiar, los barrios,

Buenos Aires, el amor por los

bares, lo personal, los hijos, los

viajes... Uno podría decir que

estamos analizando a una especie

de especie humana que

nosotros vemos desde afuera”,

dice Schachtel en cuanto al

concepto global de este trabajo

que ambos desmenuzan

en este Track x Track.

FOTOS: LUCAS OBER

40 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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1. “AMOR ARTIFICIAL” 2. “EL ANIMAL HUMANO”

FRENKEL: El amor es una

palabra muy grande. Así que

obviamente no se refiere a una

situación de pareja, sino que

a una energía vital. Que no es

reemplazable por una máquina.

El concepto de inteligencia

actual, vigente, está muy

relacionado a la capacidad

de procesos lógicos, del

raciocinio, del reemplazo

de eso como si eso fuera el

elemento fundamental de la

vida humana… Cuando no es

nada más que una herramienta.

SCHACHTEL: Es el tema más

físico, menos mental del álbum.

Es muy bailable, va al cuerpo,

tiene referencias de la música

disco, el funk, muchos teclados,

un arreglo de cuerdas un poco

cinematográfico. Tiene una

energía divertida.

4.“CENTINELAS”

FRENKEL: La figura de las

“mujeres centinelas” apareció

por la época en la que vivíamos.

Esto data del 2017, 2018,

cuando estaba en auge una

oleada del feminismo. Y a

veces, la contemporaneidad

te toca en el cuerpo y decís:

“Esto tiene que aparecer”. De

hecho, cuando retomamos el

tema, hablamos entre nosotros

y nos pusimos a pensar si el

discurso ese estaba vigente

o no. Pero la verdad que sí,

estamos viviendo un momento

de mucho fascismo, mucha

opresión, mucho autoritarismo.

Esas mujeres centinelas son

las que sostienen viva la vela

del mundo.

SCHACHTEL: La compusimos

en la época en la que volvimos

a tocar juntos, nos habíamos

juntado con Christian Basso. El

tema sobrevivió al tiempo, a la

pandemia, a no ser escuchado

durante mucho tiempo. Y cuando

lo retomamos, nos sorprendimos

porque tiene mucha fuerza. Logra

un clima único.

8. “HAY QUE SALIR DEL AGUJERO INTERIOR” (DE VIRUS)

FRENKEL: Hay una frase que dice: “Podemos empezar una vez

más aunque nos llenen de mierda”. Puede aplicar a distintas

situaciones, pero a mí me llega a partir de esa sensación general

de que nos están llenando de toxicidad, en este momento.

Las redes, los medios, la guerra, la violencia, la xenofobia.

Nos estamos dejando llenar, es un círculo de mucho daño,

una deshumanización. Pero hay fuerza de vida para volver a

empezar. Una vez más.

SCHACHTEL: Es el único tema con acordeón, hay una especie

de llamada, una guiño a nuestra historia, una autocita a esa

sonoridad que en un momento La Portuaria tuvo presente en su

historia. Está tratado de una manera distinta, como si fuera un

brass. La idea era que no quedara como un acordeón naturalista,

sino una cosa rara, con ese aire de acordeón tímbrico. Lo

logramos sobregrabando una y otra vez el motivo y quedó esa

amalgama extraña. En eso le damos crédito a Martín Paladino,

nuestro socio y manager, que nos dijo: “Che, hagan un tema que

tenga acordeón, que se huela un poquito”. Tiró una muy buena

sugerencia.

7. “INCENDIO“

FRENKEL: Hay mucha cita en las metáforas, que están cargadas de imágenes

post apocalípticas. Tal vez influido por nuestras lecturas de las revistas Fierro,

cómic en clave bien argenta. Esta canción es de la misma época que “Sigue

esta noche” y “Centinelas”, que son temas que están teñidos de esa oscuridad,

en la cual creo que Basso influye también. Y también hay una cita lyncheana,

con lo de atrapar al pez dorado.

SCHACHTEL: La compañía nos había sugerido hacer un cover, pero no nos parecía. Así que en vez de que nos

elijan, elegimos nosotros: un tema de Federico Moura y Roberto Jacoby, quien escribió muchas letras de Virus y

fue, además, un artista increíble. Es un rock vital. En vivo es genial tocarlo, es una especie de descarga de un tipo

de música que no está en el resto de los temas.

FRENKEL: Consiste en disfrazarse de otra cosa. De alguna manera, en volver a nuestra primera juventud. Además

es un tema lleno de significantes positivos. Y más en este contexto. La letra es muy vigente y tiene mucho que ver

con el disco. De hecho, el disco podría llamarse así (risas).

3.“NADA QUE TE ROBE LA VOZ”

FRENKEL: Es el último tema que hicimos.

SCHACHTEL: La melodía empezó con un

entramado de tres o cuatro guitarras, que

hacen el arpegio. Cuando venís escuchando

el disco, cada tema propone algo nuevo

desde lo tímbrico. Este comienzo con

guitarras es el que te refresca la escucha,

más allá de lo que va a venir después del

tema.

FRENKEL: La mezcla de pianos con

vibráfonos le da un carácter medio mexicano,

como esas bandas que tocan con marimbas.

Es el tema más latino, una melange que

hicimos de manera inconsciente, cuando ya

estábamos terminando el disco. Y tiene una

cita a (Luis Alberto) Spinetta (“Vos sos el sol

y además podés ser la luna”, de “Bajan”) que

apareció de manera espontánea cuando la

grabamos.

5. “DESHIELO”

FRENKEL: El deshielo viene de

una metáfora, pero tal vez haya

leído la palabra en un diario.

El descongelamiento de los

glaciares y los hielos del planeta

viene desde hace bastante,

pero es verdad que ahora, con

los glaciares en discusión, la

coyuntura le da otro vuelo a la

canción. Es de las últimas que

compusimos.

6. “SIGUE ESTA NOCHE”

SCHACHTEL: Muy climática,

quizás hasta de Massive

Attack, con ese bajo super

presente, hipnótico, que

llena con sustancia grave. Y

tiene una especie de falsas

repeticiones, porque el tema

parece circular y que pasa por

los mismos acordes, pero en

realidad son siempre un poco

diferentes. Es engañoso pero

eso hace que el tema circule

y vaya hacia adelante y no

te parezca repetitivo. Y tiene

una chorreadera de teclados

absoluta (risas).

FRENKEL: Christian también

participó de este tema.

Todos nosotros tenemos una

admiración muy grande por

David Lynch, hay algo muy

lyncheano en la sonoridad del

tema. También algo de Ryuichi

Sakamoto, de Brian Eno… Todo

ese mundo cinematográfico,

nocturno, profundo, donde hay

una oscuridad muy tentadora.

El tema juega en un filo tierno

pero a la vez rasposo.

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 41

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BESTIA BEBE

“Nos creamos en

nuestra cabeza

que nadie nos

quiere”

En la previa de llevar Yendo rápido a ningún lugar a Europa,

la banda reflexiona qué significa hoy sostener un camino

autogestivo.

POR ANTONELLA LOPREATO

uventud. Si hay una palabra

que le calza al nuevo disco

J

de Bestia Bebé, es esa. En

Yendo rápido a ningún lugar todavía

quedan cicatrices de su debut, publicado

13 años atrás: la objeción de

Tom Quintans a domesticar la voz,

un indie contaminado por psicodelia y

esa fidelidad que también pasa por su

equipo de fútbol, Racing Club. Antes

de subirse a una gira europea que los

va a pasear por Francia, Portugal, Irlanda,

Inglaterra y España -con parada

en el Primavera Sound-, el vocalista

y Chicho Guisolfi (bajista) charlaron

con Billboard Argentina para poner

en palabras esta etapa: la escena under,

sus propias inseguridades y ese vínculo

siempre problemático con la industria

musical.

El primer adelanto fue “El atrevido”

y hay un verso que me llamó

la atención: “Siempre dicen que

crecer es una trampa y yo crecí,

amigo, y no cambió nada”. ¿De

verdad no cambió nada?

TOM: No, cambiaron un montón de

cosas, pero se refiere más a que no fue

una trampa, no fue algo malo. Después

dice “estuvo bien” 500 veces, así que va

un poco por ahí. Es una canción que se

burla de los mandatos y de esas cosas

que supuestamente están escritas y hay

que hacer. Apunta a tratar de hacer lo

que nos gusta. Más allá de que muchas

veces nos vemos contra la pared y todo

se hace difícil, lo importante es poder

intentarlo dentro de lo que se puede.

La portada soy yo de chiquito. Me

gusta porque la tapa del disco es una

foto también. Me gusta que haya una

coherencia con los adelantos. Estaba

viendo fotos viejas que tenía guardadas

-mi vieja me las dio para que las guarde

en mi casa- y me encontré con esa. Me

pareció que era graciosa con la letra y

todo. Tenía algo del paso del tiempo.

Dado que son una banda independiente,

¿sintieron presión por

meterse en el estudio?

TOM: No, presión no. Al ser una banda

autogestionada, uno maneja sus

tiempos. Obviamente, hay fechas que

hay que respetar por las giras. Y sobre

todo en las que hacemos por Europa o

por Latinoamérica, hay que ir con algo

nuevo. Hay cosas en las que hay que

estar atento: la parte más aburrida de

todo esto, que es la industria y el marketing.

Hoy, con la lógica de las plataformas,

estamos inmersos en que hay

que sacar temas todo el tiempo. Creo

que hay que seguir eso, pero sin perder

la esencia ni lo que uno quiere hacer.

No apurarse al pedo, no hacer cosas sin

estar convencido. Eso es fundamental.

¿Sienten que, de algún modo,

van a contramano de la cultura

actual?

CHICHO: Nosotros hacemos nuestro

camino. Realmente no nos importa

tanto. Nos ha pasado de compartir con

el “verdadero rock” y sentir que no encajamos

en ningún lado.

TOM: Muchas veces nos creamos en

nuestra cabeza que nadie nos quiere,

y después nos damos cuenta de que

no es así. Pero es algo nuestro, nos

sentimos en nuestra propia escena.

Decimos lo que somos. Decimos las

cosas que no nos gustan. Hoy parece

que todos somos amigos, que todo está

bien, que todo está bueno y es mentira.

Como también es mentira decir que

todo es una mierda.

¿De dónde creen que surge esa

inseguridad o esa mirada más

pesimista sobre ustedes mismos?

CHICHO: La independencia te lleva a

proteger muchas cosas.

TOM: Pero yo creo que no, al revés: tener una banda así me hizo aprender un

montón y ponerme en lugares que, por ahí, si tuviera gente trabajando para mí, no

los haría. Antes arreglaba las fechas, ni hablábamos de sonidista… Los conocías el

mismo día y estaba todo bien. Eso también te hace conocer el otro lado. Los que

laburan con nosotros no es que arreglan con un manager y yo no sé ni quiénes

son. Estamos todos juntos, somos amigos. Pero volviendo a tu pregunta, soy así en

la vida. Cuando tengo un lugar nuevo, con gente nueva, ya me quiero matar, no

quiero ir, me da pánico.

TRES TEMAS DE YENDO RÁPIDO A NINGÚN LUGAR

“Algo que siempre te quise decir”

Tom: Es de las mejores canciones que hice. La melodía es emotiva, es la primera

canción del álbum. Es un disco que no arranca al palo. La letra es simple, más clásica

de Bestia Bebé. La producción va por un lado cercano a Neutral Milk Hotel:

tiene algo de folklore en la base, pero después deriva en un final más ruidoso, con

guitarra y distorsión. Me hubiese gustado que la cante Ricardo Iorio.

“Cara de piedra”

Tom: Tiene algo medio Liam Gallagher, bien británico. Cuando lo grabamos,

estábamos boludeando en el estudio y empezamos a armar algo medio loco

con teclados y baterías sampleadas. Y terminó quedando un tema más familiar,

medio Flaming Lips, más raro.

“Gustavo Costas”

Tom: “Gustavo Costas” funciona como un símbolo de alguien que disfruta lo que

hace, que ama su club -en este caso Racing-, podría ser cualquiera de nosotros.

Es una figura que vive la vida con intensidad, una especie de metáfora. La letra no

habla de él de manera puntual, sino que describe un momento de felicidad después

de muchas frustraciones.

FOTOS: CHARLIE RIOBUENO

42 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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01.05.2026 --- 23HS

Roseti 93 - Buenos Aires

CIRCULO

DE SONIDO

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HENRIK SCHWARZ LIVE

SOLIMANO

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 43

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44 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC

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Moris tiene 83

admirables años

y en su devenir

discursivo, amable,

lúdico y elegante,

te capta

y no queres salir del laberinto en el que

convirtió su relato, donde el mundo de

la fantasía y la realidad se funden con

el del arte. Le cuenta a Billboard Argentina

que grabó en Rosario un tema

nuevo que se llama “Olor a tango”, que

no es del género, aunque trabaja en un

proyecto de grabar “tangos famosos, antiguos,

pero hechos modernamente”.

Cuando te fuiste de Argentina a

España, a mediados de la década

del 70’, formaste una banda de

rock. ¿No era más cómodo hacer

tango en Europa?

España salía de un hambre de música

moderna. El joven no estaba para escuchar:

“Si arrastré por este mundo, la

vergüenza de haber sido” (se refiere al

tango “Cuesta Abajo”). Querían “Sábado

a la noche”. Sin embargo, hice “El

Rock de Europa”, que dice: “Estás en el

mundo y es un loco mundo, tú vas en

el metro y ves las noticias, hay cuatro

asesinatos, bombas de electrones, un

tipo que roba cuarenta millones”. Metí

mi cuchara social. Me sumergí

en el mundo español, y, como

tenía un entrenamiento de escribir

viendo escenas sociales, me

fue bastante fácil. Los críticos

decían: “¿Cómo puede venir un

argentino a contar como es Madrid,

mucho más que nosotros?”.

No es extraño, porque cuando

llega un extranjero a un país, ve

cosas que vos no ves.

¿Cómo puede ser que, de

algo que vos ves que está

mal, como la sociedad,

haces algo lindo como una

canción?

Es una pregunta buena, ¿cómo

puedo hacer? Cantar sobre lo

que está mal, sin ofrecer un

punto de vista esperanzador o un arte

o una sensibilidad o un cariño, es inútil.

Cualquiera se sienta en la esquina

y dice, está todo mal y el taxista dice:

“Hay que matarlos a todos”. Y yo le

digo: “Pero a todos menos usted, ¿no?”.

Estoy muy atento al lenguaje, porque a

veces no se toma en cuenta y el lenguaje

es la expresión de tu mente. Lamentablemente,

en este momento, Buenos

Aires está lleno de chicos muy buenos

y muy piolas que hacen (imita un rapeo

que no se entiende) y creen que eso los

va a llevar al triunfo. Se ponen gorra de

baseball, mascan chicle y creen que lo

va a contratar Hollywood. Y no es así,

simplemente han logrado que la gente

compre enormes cantidades de ropa y

de chicles. Es una linda trampa. Pero

como yo también fui tramposo y también

vendí trampa, sé. Estuve del otro

lado, así que conozco bastante bien eso.

¿Escuchas tus discos?

Claro, me gustan, están bien. Lo que

pasa es que uno cambia, estás escuchando

a otra persona. Cada minuto

uno está cambiando. Justamente, es lo

que nos permite crecer.

Tengo en mi mano Treinta minutos

de vida. ¿Cómo ves ese disco hoy?

Me gusta mucho. Me gusta mucho “De

nada sirve”. Es una canción, de alguna

manera, rara, porque fue improvisada.

Todas mis canciones me gustan. A veces

la gente me dice: “Te habrás cagado

de risa”. No, cada canción fue un dolor.

Porque cuando vos compones, significa

que has vivido algo.

Dijiste por qué te gusta “De nada

sirve”. ¿Qué pensás de “El oso”?

Me gusta. Mucha gente me habla de

“El oso”. Es una letra que parece que

no dice nada, que es un cuentito, pero

hasta yo mismo a veces la releo y digo:

“Claro, el tipo se escapa en una noche

sin luna y recupera su libertad”.

“Ayer nomás” la grabaron Los Gatos

y fue un éxito, pero con otra

letra. ¿Te molestó?

Litto Nebbia tuvo una gran generosidad,

porque en el momento en que

grabó “La Balsa”, le preguntaron qué

tema quería del otro lado y podría haber

dicho: “Una canción mía”, porque

componía tres canciones por día y tenía

trescientas. Sin embargo, con esa

generosidad que siempre ha mantenido,

y que le agradecí muchas veces,

dijo: “Vamos a poner la canción de

Moris”. Es un tema que vengo cantando

desde hace cincuenta años, y cada vez

que digo: “Salí a la calle y vi la gente,

ya todo es gris, y sin sentido”, la gente

comprende que es verdad.

¿Y “Pato trabaja en una carnicería”?

Pato es un tipo muy parecido a Marlon Brando, grandote, muy atractivo

a las mujeres. Lo conocí en Palermo, salíamos juntos, fuimos al

colegio, por eso dice: “Eran los días de oro”. Pasó un tiempo hasta que

un día veo en la esquina un camión de la carne y veo a un tipo que

baja con media res. Digo: “Pato, ¿qué hacés?”. Y dice: “Y … hay que

laburar, ¿viste?”. Entonces entendí que la vida lo había llevado de campera

negra, a trabajar. Ahí creé toda una historia, mucho más compleja

que eso, porque hay otras cosas. Facundo Cabral me decía: “Che,

que buen título”, porque normalmente los compositores no hablan de

carnicería. Hablan de la luna, el sol, el amor… Pero si algo surge, yo

me dejo llevar totalmente.

También está “Esto va para atrás”.

La parte que a mí me gusta: “Muchos de ustedes no pidieron nacer, en

este mundo que es frío y cruel. Si por mi fuera los haría volver, y esperar

1000 años para nacer”. Hay quien dice que dentro de 1000 años

todo va ser igual, yo creo que no. Esa visión de esperanza, a pesar que

habla de la muerte, al final digo: “No hay nada más importante, de eso

yo me convencí, y es que el que nazca, viva en un mundo feliz”. Creo

que siempre que terminan las canciones, termino siendo optimista y

termino siendo positivo. No es que me lo proponga exactamente, pero

salió así.

“En una tarde de sol”.

Estaba en la casa de Pajarito Zaguri, por el oeste, con su madre y su

padre, que era prefecto inspector de la prefectura… Mucho no entendía

la música, pero como todo padre en algún lugar de su corazón, entiende

que su hijo es eso. Y la madre me convidó un café, recordé a mi

mamá en su juventud, linda, como todas las madres. Es una canción

muy sentimental, me la han pedido muchas veces (sonríe)… Es difícil

de cantar. Hay que estar muy comprometido con el sentimiento.

“Escúchame entre el ruido” tiene una letra compleja.

Sí, es muy compleja, claro. Vino a verme un representante de la

comunidad LGBT, me preguntó si yo era homosexual. “No, yo no

soy homosexual”. “¿Pero vos no defendes la homosexualidad?”,

me preguntó. Y contesté: “Yo no defendiendo la homosexualidad,

ni ataco ninguna”. Lo que yo escribí es que la policía te paraba y

porque tenías el pelo largo, te acusaba de homosexual. Una vez

en una comisaría, era de noche, me llama el comisario y me dice:

“Siéntese, ¿no le da vergüenza andar con ese pelo así? Parece un

maricón”. Y atrás estaba un gran dibujo de San Martín. Simplemente

le dije: “Mire detrás de usted”. Entonces el tipo se dio

cuenta de que había metido la pata y dice: “Saquen a este tipo inmediatamente

de acá”. Porque, claro, San Martín tenía el pelo un

poquito largo. Y nadie diría que San Martín era puto, ¿no?

Una que no se menciona mucho es “El Piano de Olivos”.

Un día fui al estudio, toqué el piano y dije: “Haceme una copia

de esta grabación, ponela cada una en una máquina y lanzalas

a una diferencia de medio segundo”. Entonces salieron las dos cintas

idénticas, corriendo una atrás de la otra. Obviamente el tiempo las

mueve, entonces se crea una cosa que es imposible de tocar. Esa fue

mi idea sobre la música electrónica. Yo había estudiado bastante electrónica

en el colegio y siempre me interesó mucho el tema del sonido.

Eso fue una cosa que en un disco quedó bien, en el sentido de que no

podés hacer un disco instrumental. Pero es mi idea de cuántos nuevos

caminos hay para la música, no solamente la guitarra eléctrica, sino

que podes agarrar ladridos de perros y meterlos por un piano, porque

el mundo de la música es muy grande. Yo pienso que te sirve toda la

vida y toda la vida no te alcanzaría para la música.

¿Qué podés decirme de “Juan, el noble caballero”?

Tiene mucho que ver con Litto, porque andábamos juntos. “El rey

lloró” (canción de Los Gatos), es parecido al noble caballero: el tipo

sale a buscar hazañas y finalmente, cansado de ese mundo, se va en un

caballo alado hacia otro mundo mejor. Es una canción muy linda, que

aparentemente parece una fábula para niños, pero no es así.

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 45

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The Strokes vuelve a la acción con

su disco Reality Awaits

Está previsto para fines de junio. En abril lo adelantaron con “Going Shopping”, primer single.

seis años después de su último álbum,

The Strokes volvió a mover

el tablero. A comienzos de abril la

banda de Nueva York publicó en redes

un breve video donde anunció la llegada

de su séptimo trabajo

de estudio,

Reality Awaits,

que se publicará

el próximo 26 de

junio a través de

Cult Records/RCA

Records.

El anticipo llegó

acompañado de

un teaser donde

se puede ver un

Nissan 300ZX de

fines de los años

80 circula dentro

de una estética

futurista mientras

aparece la frase

"En persona, es aún más sexy" y la portada

del disco. Algunos días después salió

"Going Shopping", single adelanto.

Grabado en Costa Rica con el laureado

productor Rick Rubin y finalizado alrededor

del mundo, Reality Awaits marca la primera

música nueva de la banda desde el muy

aclamado The New Abnormal

de 2020 y las

extensas giras globales

que lo siguieron.

The Strokes tocarán

en festivales importantes

de todo el mundo

esta temporada:

a comienzos de abril

pasaron por Coachella,

y además tendrán

otras como cabezas

de cartel en Bonnaroo,

Outside Lands, el

Summer Sonic 2026

de Japón y más.

En paralelo, distintos

rumores circulan alrededor

de una posible visita a Sudamérica

durante la próxima temporada de festivales.

Entre los nombres que aparecen en esas

versiones figura Primavera Sound Buenos

Aires, aunque el lineup todavía no se

anunció. Cabe recordar que, la última vez

que la banda pisó Argentina fue en 2022,

en el marco de Lollapalooza Argentina.

The Strokes son una banda de la ciudad

de Nueva York. Desde su debut en

2001, su dorada discografía definió el sonido

de una generación.

46 BILLBOARD.AR

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Foo Fighters se renueva con su disco

Your Favorite Toy

Había sido adelantado con el single “Of All People”,

publicado a comienzos de abril.

l duodécimo álbum de Foo Fighters, Your Favorite

Toy, salió el pasado 24 de abril a través de Roswell

E

Records/RCA Records. Compuesto por 10 refrescantes

canciones, el volumen había sido adelantado a comienzos

del mismo mes por el single “Of All People”.

Si estás de acuerdo con VICE cuando dicen "el desquiciado

Dave Grohl es mi versión favorita de Dave Grohl", esta

puede que sea tu nueva canción favorita. "Of All People", un

tema al estilo Husker Du, salió en su versión oficial luego de

ser interpretado por primera vez en presencia de otros humanos

el pasado 22 de febrero en Dingle, Irlanda.

Your Favorite Toy fue grabado en casa, coproducido por

Foo Fighters y Oliver Roman, con la ingeniería de ingeniería

de Oliver Roman y mezclada por Mark "Spike" Stent.

El lanzamiento de Your Favorite Toy coincide con la enorme

gira mundial Take Cover de Foo Fighters, que durante

el verano boreal tendrá estaciones por Estados Unidos,

Noruega, Suecia, Polonia, Alemania, Francia, Países Bajos,

Inglaterra, Portugal y muchos otros destinos. A Sudamérica

bajarán en septiembre para ser parte del festival Rock in Río.

Foo Fighters son Dave Grohl, Nate Mendel, Chris Shiflett,

Pat Smear, Rami Jaffee e Ilan Rubin.

TRACKLIST//

1_“Caught In The Echo”

2_“Of All People”

3_“Window”

4_“Your Favorite Toy”

5_“If You Only Knew”

6_“Spit Shine”

7_“Unconditional”

8_“Child Actor”

9_”Amen, Caveman”

10_“Asking For A Friend”

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V

VIVO

// FITO PÁEZ

El Sale el Sol Tour sigue en marcha después de ese

excitante kick-off que fue la “semana Páez” a comienzos

de marzo en Rosario. En este caso, Fito volvió a hacer

propio el Movistar Arena para recorrer distintas etapas

de su obra con un repertorio potente y transversal.

Clásicos fundamentales como “11 y 6”, “La rueda mágica”,

“Ciudad de pobres corazones” y “Mariposa Tecknicolor”

convivieron con canciones menos habituales en vivo (el

tándem inicial con "Folis Verghet" y "La verónica" o las

ochentosas "Hazte fama" y "Lejos en Berlín"), aportando

frescura y sorpresa a una noche que mantuvo en alto la

energía de principio a fin. El próximo 20 de mayo el artista

repetirá en el mismo escenario porteño. Eso será la previa

a su llegada a territorio colombiano, prevista para junio.

FOTO: MARIANO KAPLAN

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VIVO

V

J

LA RENGA //

FOTO: SANTIAGO DÍAZ GARCÍA

El grupo de rock más convocante del país

volvió a presentarse en la Ciudad de Buenos

Aires con dos fechas a lleno total en el Parque

de la Ciudad. Fue a comienzos de abril y el

trío (expandido por los bronces y también

invitados como la banda mexicana El Tri y el

guitarrista Claudio Tano Marciello) sacó a

relucir buena parte de su catálogo. Así, en las

listas de temas de ambas fechas aparecieron

algunas sorpresas como “Me hice canción”, “El

juicio del ganso”, “Mujer del caleidoscopio” y

“Ser yo”. Clásicos a su tradición, ambas noches

terminaron con “Hablando de la libertad”, una

canción que se resignifica todo el tiempo.

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V

VIVO

ÁNGELA SODA ESTEREO TORRES ECOS // //

El Movistar Arena fue punto de partida para esta nueva

reencarnación del grupo más importante de la historia de América

Latina. Después del experimental Séptimo Día - No Descansaré

de la mano del Cirque Du Soleil y del show Gracias Totales, del

que participaron cantantes invitados como Chris Martin, Adrián

Dárgelos, Gustavo Santaolalla, Mon Laferte y Rubén Albarrán,

entre otros, llega este espectáculo ultra tecnológico. El Gustavo

Cerati que protagonizó la gira Me Verás Volver (2007) revive sobre

el escenario a través de una especie de avatar y está acompañado

por los Zeta Bosio y Charly Alberti de carne y hueso. Así, canciones

como la inicial “Ecos” -que le da nombre al show-, “Final caja negra”,

“Persiana americana” o “Toma la ruta”, activaron la emoción y la

nostalgia del público que agotó cada localidad. La gira siguió por

algunas ciudades argentinas y por México, mientras que este mes

llegará a Uruguay, Ecuador, Perú y Colombia.

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VIVO

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FOTO: GENTILEZA PRENSA

// HERNÁN CATTÁNEO

Luego de hacer bailar a Mendoza, San Pablo, Punta del Este, Montevideo y Montreal, y antes de arribar

a Madrid, el dj argentino más popular llevó su ciclo Sunsetstrip a Ciudad Universitaria, en Buenos Aires,

reafirmando así su proyección internacional dentro del circuito de música electrónica.

Fueron dos funciones, sábado 11 y domingo 12 abril, agotadas con mucha anticipación y, por eso mismo,

esperadas por mucha ansiedad no solo por los clubbers sino también por esa legión de “conversos”

que se iniciaron en la electrónica de la mano y las bandejas de Cattáneo. Su selección musical maridó

perfecto con los colores de la caída del sol, por lo que el progressive house que lo caracteriza se convirtió

en el soundtrack ideal para el ocaso porteño.

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V

VIVO

JORGE DREXLER //

Bajo la premisa de la música como

puente en tiempos hostiles, el uruguayo

transformó el Movistar Arena en un

laboratorio de candombe y baile. Con dos

funciones agotadas, presentó Taracá,

demostrando por qué sigue siendo uno

de los cantautores más importantes de la

región. Lo respaldó una banda multicultural

que llenó el estadio de distintos ritmos y

colores. Entre anécdotas, explicaciones de

sus letras y una buena cuota de humor, el

show fluyó entre las canciones de su último

disco y la emoción de los hits de siempre. El

público terminó de explotar con los clásicos

que no podían faltar: "Al otro lado del río",

"Todo se transforma" y "Me haces bien".

FOTO: MARIANO KAPLAN

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THE LUMINEERS

“No hace falta ser un experto para

tener algo que decir”

por dónde viene la mano: volver a grabar

juntos en la misma sala, tomas en vivo,

menos control y más lugar para lo que

pase en el momento.

Wesley Schultz detalla el

presente del dúo: un disco

registrado en tomas simultáneas,

con menor intervención técnica

y mayor apertura al error, donde

la dinámica con Jeremiah Fraites

vuelve a ocupar un lugar central

en el proceso creativo.

POR ANTONELLA LOPREATO

“N

os sentimos como un

food truck que ganó una

estrella Michelin”, resume

Wesley Schultz,

todavía medio incrédulo

con todo lo que

se armó después del

debut de The Lumineers en 2012, impulsado

por la circulación masiva de “Ho

Hey”. Luego de presentar BRIGHTSIDE

(2022) en el Estadio Obras en 2023, el

dúo (que se arma junto Jeremiah Fraites)

regresó a Buenos Aires con Automatic,

editado en 2026 y presentado

el 29 de abril en el Estadio Malvinas

Argentinas.

En la previa del show, Schultz charló

con Billboard Argentina y dejó caer

Al comenzar a trabajar en Automatic,

¿predominaba una búsqueda individual

o una lectura del contexto?

Fue un proceso interesante, porque junto

a Jeremiah estábamos llegando a los

20 años como dupla de compositores.

En todo ese tiempo entendí algo: involucrarse

con otra persona puede ser un

dolor de cabeza. Siempre me acuerdo

de lo que me dijo mi cuñado una vez.

Él es coronel, atravesó cosas realmente

complicadas en su vida, y aun así asegura

que lo más difícil que hizo fue casarse

con mi hermana. Y la ama: es un marido

y padre totalmente dedicado. Pero lo decía

porque estar en una relación es algo

que cambia todo el tiempo y que te exige.

No podés tomarte un día libre. Tenés

que estar ahí.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

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MAYO 2026

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En una relación musical pasa algo muy

parecido. Exige cuidado, atención y una

escucha constante del otro. Es como caminar

por una cuerda floja: en cualquier

momento esa persona puede decirte:

“Andá y hacelo solo”. Nosotros tenemos

un vínculo muy especial. La forma en

que hacemos música juntos es completamente

natural. Si nos vieras en otros

ámbitos, capaz pensarías: “No entiendo

cómo estos dos hacen música juntos”. La

química entre las personas es algo difícil

de explicar.

Empecé a sentir que nuestro vínculo a

través de la música era muy “automático”.

Gran parte del disco nace de eso y

de que ahora tenemos hijos. Después de

años en los que a veces deseás que todo

sea más simple, no depender de nadie,

entendés que apoyarte en otros también

puede ser algo hermoso.

En relación con esas diferencias, en

otras entrevistas señalaste que sus

intereses no están en el mismo lugar:

él más enfocado en la música y vos en

las letras. ¿Esa distancia continúa

siendo un impulso para la banda?

Sí. Esto no significa que las letras son

siempre mías, pero es verdad que nuestras

pasiones están en lugares distintos

y creo que eso nos ayudó a seguir juntos,

a no estorbarnos ni pisarnos. Justo

hablaba de esto con otro músico hace

poco.

Él podría pasarse todo el día tocando

instrumentos. A mí me gusta escribir

canciones, pero no me quedo improvisando

porque sí. Lo que realmente me

entusiasma es armar el rompecabezas

de una canción, trabajar la idea, darle

forma. Él bromeaba con que muchos

músicos que aman tocar son pésimos

editores y compositores, pero increíbles

como instrumentistas. Y creo que ahí

está la respuesta: nadie posee todas las

cualidades.

Con Jeremiah tenemos la suerte de no

competir por el mismo espacio. Cuando

estamos escribiendo, puede mandarme

algo que está buenísimo o, al revez, yo le

mando algo que al no le parece tan bueno

pero le da vuelta a la idea. No tiene

un juicio duro sobre las ideas: simplemente

genera, todo el tiempo.

“SOMOS

CHICOS

HACIENDO

MÚSICA, NO

UNA BANDA

SOFISTICADA”.

ría de nuestras grabaciones eran separadas, no

simultáneas. Eso hace que te sientas más desconectado,

y además requiere más confianza y experiencia

para que funcione de verdad. No estábamos

abiertos a los errores, cuando, a veces, un

error puede terminar siendo lo mejor que te paso.

Cuando sos más joven estás tan enfocado en

que todo suene perfecto que perdés la esencia

de por qué esa toma era buena. Es como en el

cine: cuando tenés actores con experiencia que

pueden improvisar, aparecen cosas inesperadas.

Pienso en la escena de la película Django Unchained

(2012), en donde Leonardo DiCaprio (Calvin

Candie) se cortó la mano al romper una copa de

cristal, y en vez de frenar, siguió el monólogo con

la mano sangrando. Quentin Tarantino usó esa

toma porque la emoción era mucho más real. Si

el actor rompía el personaje, se caía todo.

Parte de esto tiene que ver con relajarse, permitirse

equivocarse y ver qué aparece. En The

Beatles: Get Back eso se percibe: pasan largos

ratos sin hacer nada, después tocan, vuelven a

frenar… Hay un ritmo propio en ese ir y venir. Antes,

en el estudio, todo era más “apurate y esperá”.

Decías: “Quiero grabar una guitarra eléctrica”

y te respondían: “Bueno, en una hora está listo”.

En ese intervalo te desgastás, repetís lo mismo

una y otra vez, y cuando finalmente llega el momento

de grabar… La chispa ya no está. Es una

experiencia que te vacía.

Algunos pasajes del disco remiten a artistas

como Bob Dylan o Joni Mitchell. ¿Sentís que

el álbum dialoga con la tradición del folk

estadounidense?

Sí. En parte porque hay muchas más guitarras

acústicas que en los últimos discos. Usamos mucho

una Gibson Hummingbird y nos terminamos

enamorando de ese instrumento. Tiene algo muy

atemporal. A mí me remite a las bandas de fines

de los 60 y principios de los 70: suenan bien

siempre, porque grababan con instrumentos que

no pasan de moda. Capaz no suenan “modernos”,

Hablando del proceso de grabación,

mencionaste que Automatic estuvo

inspirado en Get Back (2021), el

documental sobre The Beatles. ¿Qué

aprendizajes te dejó esa película?

En Automatic hicimos muchas tomas tocando

juntos en la misma sala, viéndonos,

comunicándonos. Antes, la mayopero

tampoco suenan viejos. Es como si

estuvieran suspendidos en el tiempo.

Este disco y el primero tienen algo de

“volver a la inocencia”, pero desde lugares

distintos. En el debut empujamos

todo al extremo para que sonara así. Acá

fue más soltar, ser nosotros mismos sin

estar tratando de demostrar nada.

Me acuerdo que el primer día grabamos

“Same Old Song” en una noche.

Las voces que hice eran medio de guía,

algo provisorio. Al día siguiente las volví

a grabar pensando: “Ahora sí, esto quedó

perfecto”. Me fui a caminar, los dejé

decidir, y cuando volví se estaban riendo:

habían elegido la toma del día anterior.

Y en esa versión ni siquiera pronunciaba

bien algunas palabras, porque no me

acordaba la letra.

Había algo de juego, de dejar de lado

la idea de hacerlo “bien” o perfecto.

Simplemente estar ahí. Y ese es un lugar

muy lindo, cuando no estás tan pendiente

de vos mismo.

Muy espontáneo.

Sí, tal cual. No es algo que puedas forzar,

simplemente pasa. Eso terminó

marcando el tono de todo el disco. El

otro día escuchaba “Ain’t No Sunshine”

de Bill Withers. Hay errores en la toma:

palabras que se mezclan, repeticiones

como “I know, I know, I know…”, partes

que claramente no estaban pensadas

así. Y, sin embargo, quedó y funcionó. Y

esas cosas -los errores, lo no planeadomuchas

veces terminan siendo lo mejor

de la canción. Hoy, con todo lo que se

puede editar, siento que hay que volver

a encontrar esa magia en lo humano, en

lugar de pulir todo hasta que quede perfecto.

Ese tema, por sí solo, es una clase

sobre cómo hacer buena música: reconocer

cuándo algo que no debería haber

pasado funciona.

Al haber sido grabadas de forma tan

orgánica, ¿las canciones se trasladan

con mayor naturalidad al escenario?

Sí. Las interpretaciones eran muy auténticas,

es básicamente lo que haríamos de

manera natural. No estaba sobrepensado

ni había notas que solo pudiera alcanzar

un día a la semana. Todo se sentía como

algo que podíamos hacer en cualquier

momento. Era muy natural, esa es la

mejor forma de decirlo. No es un disco

“retocado”, es bastante crudo. Y fue gracioso

porque hace unos años empecé a

trabajar con una coach vocal, después

de girar mucho y desgastar la voz, y

cuando escuchó el disco me dijo: “esto

va a ser difícil de cantar”. Y en realidad,

es el más fácil.

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 57

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Bring Me The Horizon lanza L.I.V.E. In São Paulo

(Live Immersive Virtual Experiment)

Se trata de un álbum en directo y a gran escala que captura su show más grande

hasta el momento: más de 50 mil personas en la ciudad brasileña.

B

ring Me The Horizon lanza L.I.V.E. IN

SÃO PAULO (Live Immersive Virtual Experiment),

un álbum en vivo a gran escala

que captura su concierto como cabezas de cartel

más grande hasta la fecha, realizado ante 50 mil

fans en el Allianz Parque de São Paulo, Brasil.

Más que un simple registro en directo, este

volumen documenta a una banda tocando en su

punto máximo absoluto, expandiendo la idea de

lo que puede ser un lanzamiento en vivo. Construido

a partir del mismo universo que el estreno

en cines, el álbum traslada esa misma sensación

de escala, urgencia e inmersión al formato de

audio.

Abarcando la evolución de la banda desde

Sempiternal (2013) pasando por That’s The Spirit

(2015), Amo (2019) y la serie Post Human, el

repertorio fluye sin interrupciones entre eras,

reuniendo el peso emocional y la intensidad que

han definido su trayectoria durante la última

década.

Canciones como “DArkSide”, “MANTRA”

y “Teardrops” golpean con precisión, mien-

tras que “Shadow Moses”, “Can You Feel My

Heart” y “Drown” se consolidan como esos

momentos generacionales que han llegado

a definir a la banda. Por otro lado, “Kingslayer”

y “Parasite Eve” se adentran en algo más

caótico y futurista, un recordatorio de que

BMTH sigue evolucionando en tiempo real.

En su esencia, este es un disco que trata

tanto sobre la conexión como sobre la interpretación.

Se puede sentir la magnitud de la

multitud en cada momento: 50 mil voces respondiendo

a la banda, convirtiendo el espectáculo

en algo colectivo, inmediato y vivo.

Lanzado originalmente como un evento

cinematográfico global —alcanzando el Top

5 en taquilla en el Reino Unido, Australia y

Alemania, y el Top 10 en los EE. UU.— L.I.

V.E. IN SÃO PAULO perdura ahora como

un documento permanente de ese momento.

No es solo un reflejo de dónde se

encuentra Bring Me The Horizon, sino una

marca de hacia dónde puede ir la música en

vivo en el futuro.

TRACKLIST

Lado C

13. “Itch for the Cure

(When Will We Be Free?)”

14. “Kingslayer”

15. “Parasite Eve”

16. “Follow You”

17. “LosT”

Lado A

1. “Press Start”

2. “DArkSide”

3. “MANTRA”

4. “Happy Song”

5. “Teardrops”

6. “AmEN!”

Lado B

7. “Project Angel Dust”

8. “Kool-Aid”

9. “Shadow Moses”

10. “[ost] (spi)ritual”

11 . “n/A”

12. “Sleepwalking”

Lado D

18. “Can You Feel My Heart”

19. “You People Are All

Doomed”

20. “Doomed”

21. “Aura Gauger”

22. “Drown”

23. “Throne”

FOTO: GENTILEZA SONY

58 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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MAYO 2026

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Thalia presenta Todo Suena Mejor en Cumbia:

“Es un álbum hecho con mucho amor”

La artista habla de su nuevo trabajo y el camino recorrido en una carrera

atravesada por éxitos, desafíos y una constante evolución.

POR KARIN LEIVA

te, camaleónico y generoso. Y eso me representa

mucho, porque yo también soy así: me

reinvento, aprendo de otros, me abro a nuevas

experiencias. La nueva generación la está llevando

a otro nivel, y eso me fascina. Y van

a venir más, porque la cumbia siempre está

evolucionando.

El disco llega en un momento especial,

en el que recibiste el Icon Award en los

Billboard Women in Music. ¿Cómo te

encuentra este presente?

Desde un lugar de profundo agradecimiento.

Me siento en una etapa muy madura como artista,

y recibir este reconocimiento es algo que

valoro muchísimo. Porque no fue un camino

fácil, fue largo, con caídas, críticas, momentos

difíciles. Pero todo valió la pena: levantarte,

seguir, insistir. A veces uno quiere cumplir sus

sueños ya, pero Dios dice: "Espérame, ya te

escuché, pero te tengo que preparar". Hay que

atravesar muchas cosas para poder llegar preparado

y realmente apreciar lo que lográs.

T

halia se encuentra viviendo

un momento clave

en su carrera, por esto

la artista decide volver a sus raíces

para celebrar la mujer que

es hoy en día. Con más de tres

décadas en la industria y a punto

de recibir el reconocimiento Icon

Award en los Billboard Women

in Music, la cantante mexicana

presenta su nuevo álbum Todo

Suena Mejor en Cumbia.

En este proyecto, no solo celebra

un género que siempre

formó parte de su identidad,

sino que también marca una

nueva etapa de libertad y conexión

emocional. En diálogo con

Billboard Argentina, la mexicana

habla sobre su nuevo álbum,

la memoria, el reinventarse y el

camino recorrido en una carrera

atravesada por éxitos, desafíos y

una constante evolución.

Siempre estuvo presente en

tu carrera, pero ¿por qué

sentiste que este era el momento

para hacer un disco

completamente de cumbia?

Estoy muy contenta de poder

contarles este universo. Para mí,

todo suena mejor en cumbia,

y lo he constatado a lo largo de

mi carrera. Todo empezó con

una invitación de Los Ángeles

Azules hace casi dos años para

grabar “Yo me lo busqué”. Cuando

hicimos la canción fue como

una conexión directa con mi

ADN. Era volver a esa Thalía de

Piel Morena, de María Mercedes,

de las cumbias. Ahí empecé a

obsesionarme con redescubrirme

en este género. En el álbum

hay canciones inéditas y otras

reinterpretadas en cumbia. Este

es un disco que necesitaba hacer

para sentirme alegre y conectada

conmigo en este momento de

mi vida.

¿Cómo elegís transformar un

clásico en cumbia?

Tiene que ver mucho con la memoria.

Por ejemplo, “Dancing

Queen” me lleva a mi infancia,

a ver a mis hermanas arreglarse

antes de salir, a esa sensación

de libertad. La cumbia tiene eso:

te conecta con recuerdos muy

profundos. Es un género alegre,

de fiesta, de barrio, pero también

puede contar historias desgarradoras.

También me pasó con

canciones como las de Son by

Four o con "Todo, todo, todo" de

Daniela Romo. Sentí que necesitaba

experimentarlas en cumbia,

darles una nueva vida. Y el resultado

es un disco que, de principio

a fin, te eleva y te hace sentir bien.

El álbum también tiene varias

colaboraciones. ¿Cómo elegís

a los artistas con los que

trabajás?

Todo fue muy orgánico. La única

colaboración que teníamos pendiente

desde hace décadas era con

Yuri. Siempre decíamos: “¿Cuándo

vamos a hacer algo?”, pero nunca

coincidíamos… Hasta ahora.

Con Matisse, fue sentir que una

canción pedía sus voces. Y con

“Nueva Herida” quería sumar a

alguien nuevo, una voz fresca. Ahí

apareció Valen (Vargas), que me

recomendaron mis propios fans.

Lo escuché y dije: “Me encanta,

hay que hacerlo”. Así se fueron

dando todas las colaboraciones:

de manera natural, fluyendo.

La cumbia está viviendo un

nuevo auge en Latinoamérica.

¿Cómo ves a esta nueva

generación?

Me encanta porque es un género

muy noble que se adapta a cada

país. Cada cultura le suma algo

propio. Es un género cambian-

Pensando en todo ese recorrido, ¿qué

le dirías a esa Thalia niña que estaba

empezando?

Yo la abrazo mucho. Tengo muchas imágenes

mías de chiquita, y cuando las veo le hablo, le

digo: “Ya no es momento de sufrir, ya no tenés

que tener miedo, lo lograste”. La reconozco, la

libero. Creo que todos tenemos que hacer eso

con nuestro pasado: soltar lo que pesa y agradecer

el camino.

¿Qué te sigue inspirando hoy?

Despertarme cada día. Cada día es una oportunidad

nueva para empezar de cero, aprender

y reinventarse. Me inspira mucho leer historias

de gente que empezó sus sueños tarde. Eso te

demuestra que siempre se puede. La vida es

eso: seguir, aprender, disfrutar… y nunca dejar

de soñar.

FOTO: GERARDO BRICEÑO

60 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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Punta Carrasco

2026

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40 años de

Llegando los monos

Sumo y su consolidación

definitiva en el rock

argentino

Germán Daffunchio y el

ingeniero Mario Breuer

recuerdan cómo fue la

grabación del segundo

álbum del grupo liderado

por Luca Prodan. Juanchi

Baleirón (Los Pericos) e

Iván Noble (Caballeros de

la Quema) dan cuenta del

legado de ese trabajo en

sus respectivas bandas.

POR GABRIEL HERNANDO

“

ste álbum surgió de una

E cuestión íntima para mí; no

sé para los demás, Yo

sólo soy algo así como el director

musical aunque todos tenemos

mucha creatividad. Hicimos temas

que la gente no conoce. Pero

ahora estamos en la de grabar

un disquito por año, obedeciendo

a las exigencias del público.

Y bueno, yo quiero al público”.

Con estas palabras dichas en una

entrevista publicada por la revista

Pelo en junio de 1986, Luca

Prodan definía a su manera el

concepto que giraba alrededor

de Llegando los monos, la segunda

producción discográfica de

Sumo que le permitió consolidarse

dentro de la escena del rock

argentino tras la edición del demo

Corpiños en la madrugada (1983),

la concreción de un auspicioso

álbum debut como Divididos por

la felicidad (1985) y la repercusión

de canciones como “La rubia tarada”

y “Mejor no hablar de ciertas

cosas”.

Grabado en los estudios Panda

y lanzado el 22 de mayo de

1986, el disco potenció el carácter

visceral, transgresor, contundente,

combativo e irónico que

caracterizó al grupo desde sus

comienzos llevándolo hacia un

nivel superior. Aunque, por otro

lado, conservó su espíritu post

punk; ese sello que, a modo de

paraguas protector, conjugaba

con singular criterio una particular

y explosiva combinación de

reggae, new wave, punk, rock y

funk. Todo esto, por supuesto,

enmarcado y de acuerdo a la información

y a las influencias que

el cantante había traído desde

Europa y que en aquel momento

no eran tan conocidas en

Argentina, como Jim Morrison,

Lou Reed, Joy Division y Bob

Marley, entre otras.

“Grabar un disco en Argentina

durante los años ochenta era

toda una celebración. El mero

hecho de juntarse a grabar en

un estudio profesional se transformaba

en algo así como una

gran fiesta donde había mucha

ansiedad y locura, pero a la vez

no mucho tiempo para profundizar

en los sonidos individuales

de cada instrumento. En aquella

época, las discográficas te daban

determinada cantidad de

horas y en ese poco tiempo tenías

que hacer el disco entero.

A pesar de ello la pasamos muy

bien dentro del estudio”, rememora

el guitarrista Germán

Daffunchio en diálogo con Billboard

Argentina.

El hoy líder y referente de Las

62 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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Pelotas asegura además que no hubo ningún

concepto o idea musical previa sobre

el disco, que todo surgió espontáneamente

dentro del estudio: “Es un álbum que contiene

una mezcla de temas de la etapa más

temprana de la banda, como ‘TV caliente’,

‘Nextweek’ y ‘Heroína’, junto con otros

que compusimos después en las sierras

cordobesas. Ahí surgieron ‘El ojo blindado’

y ‘Cinco magníficos’. La idea de ‘Que

me pisen’ salió en un sótano que usábamos

como sala de ensayo en Villa Bosch

y también grabamos ‘Los viejos vinagres’

porque nos dimos cuenta que nos faltaba

un tema en castellano para difusión. En

realidad, no era muy agradable y mucho

menos comercial una canción con ese título,

pero salió igual”, recuerda entre risas

Daffunchio para luego completar: “También

estaban ‘No good’, un tema de la

época de la Hurlingham Reggae Band, y

‘Estallando desde el océano’, que para mí

es una canción espectacular y la que más

me gusta porque logramos una fusión de

guitarras increíble. La idea nació una tarde

en la casa de Diego Arnedo y después la

terminamos de desarrollar en el pequeño

estudio casero de Timmy McKern, nuestro

representante”.

Seis magníficos

“Las sesiones de grabación fueron siempre

nocturnas, comenzando a las 23 horas y

terminando más allá del alba. Solíamos grabar

todo en vivo, incluso las voces de Luca

aunque él prefería quedarse en un pequeño

cuarto contiguo antes que en la sala de

control. De hecho, cuando hacían una toma y

venían al control a escucharla, Luca permanecía

en ese cuarto vidriado. Fueron sesiones

intensas donde todos los músicos opinaban y

daban su parecer. Por eso digo que, sin lugar

a dudas, ese disco fue producido completamente

por toda la banda”, detalla Mario

Breuer, ingeniero de sonido de Llegando los

monos.

Y agrega: “Lo único que lamento es que

aquel famoso efecto de delay que Luca solía

manejar de manera especial para su voz, se

rompió una semana antes de entrar a grabar.

Así que tuvimos que apelar a otro diferente al

que él utilizaba, pero que en definitiva quedó

muy bien. En lo personal, a mí me hubiese

gustado contar con más tiempo para mezclar

ese disco aunque tampoco quedó tan mal.

Tiene un sonido muy particular”.

En cuanto a la dinámica de trabajo dentro

del estudio, Breuer relata: “Mollo, Arnedo y

Pettinato eran los más activos durante aquellas

sesiones y con los que más interactué.

Ellos iban a la salita contigua donde estaba

Luca a consultarle qué le parecía cada toma.

Si a él le gustaba, la toma se guardaba; y si

no, se desechaba. Al menos durante la grabación

de ese disco y fuera de los escenarios,

Luca era una persona muy callada, muy

calma, taciturna e introspectiva. Con esto

no quiero decir que era alguien mala onda ni

nada por el estilo, pero si bien él era el centro,

jugaba un poco como mirándolo todo

desde afuera”.

El bulto empaquetado y atado de manera

sumamente descuidada con una soga que ilustró

la portada del álbum “fue una idea que trajo

Roberto Pettinato”, según Daffunchio, y estuvo

inspirada en la obra Package 1961 del artista búlgaro

Christo Javacheff. La misma puede interpretarse

como un rejunte de objetos, donde la

desprolijidad, la dejadez y el desorden están en

un primer plano, representando de algún modo

la esencia caótica y zigzagueante de una agrupación

que, lejos de cualquier rígida etiqueta,

hizo de la superposición de estilos y sonidos un

verdadero arte.

El éxito de temas como “Los viejos vinagres”,

“El ojo blindado”, “Que me pisen”, “Heroína”,

“Nextweek” y el sublime “Estallando desde el

océano” no sólo rompió con todos los cánones

y los estereotipos establecidos hasta ese

momento en el rock local sino que le permitió

además despertar el interés de un nuevo público

que se acopló a los muchos que ya seguían a

Sumo desde su etapa under.

Fruto de esa creciente popularidad, la banda

arribó el 9 de agosto de ese mismo 1986 al estadio

Obras para presentar oficialmente Llegando

los monos ante una multitud. A partir de allí, el

sexteto oriundo de Hurlingham inscribió de una

vez y para siempre su nombre en las grandes ligas

del rock argentino de la mano de canciones

que, aún después de cuarenta años, perduran y

se mantienen vivas en el corazón y en la memoria

de miles de personas.

“Sumo ya es parte de la historia del rock argentino

y creo que nos merecemos que siga

pasando todo esto con nuestras canciones.

Aunque la mejor sensación de todas es haber

estado ahí cuando esos temas surgieron y haberlo

vivido a pleno”, concluye Daffunchio

El legado

Esas canciones han dejado una impronta

más que importante en bandas

surgidas poco tiempo después, como

en los casos de Los Pericos y Caballeros

de la Quema. “Luego de ver a Sumo

por primera vez y de que me volaran la

cabeza, ahí mismo me compré Corpiños

en la madrugada, el demo que venía en

cassette. Luego lanzaron Divididos por la

felicidad, su primer álbum oficial, cuyo

sonido no me había gustado demasiado.

Pero eso cambió con Llegando los

monos, un disco donde recuperaron la

crudeza y la espontaneidad de sus shows

en vivo, que venía con una tapa que era

toda una rareza y que a Pericos nos marcó

muchísimo musicalmente. De hecho,

al principio cantábamos reggae en inglés

porque nos gustaba y porque veíamos

que Sumo también lo hacía”, confiesa

Juanchi Baleirón.

Iván Noble expone su propia experiencia:

“Llegando los monos fue el primer

disco de Sumo que compré y escuché

atentamente. La mayor influencia de

Sumo en Caballeros no se dio por el estilo

en sí sino más bien a través del concepto

de que no había que saber música

de manera erudita para poder tocar. Nosotros

rescatamos de ellos esa cosa visceral

y anfibia de navegar por diferentes

corrientes: reggae, rock crudo de garaje

e incluso algunas canciones pero sin ser

puristas. Nos seducía mucho esa versatilidad

que tenía Sumo de poder tocar de

todo y de aprender a hacerlo arriba del

escenario”.

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 63

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EMERGENTES

JUAN COTTET:

“Me aburre pensar en el TikTok viral,

me aburre el lobby, me asusta la IA”

Entre el regreso del pop dosmilero y una escena que cambia, el artista abre una

nueva era con “Esmeralda”.

POR ANTONELLA LOPREATO

n contraste con la estética

low-fi que dominó

E

los últimos años, el pop

dosmilero vuelve a ganar

terreno. Lo traen de nuevo artistas

como Addison Rae y Sabrina Carpenter,

que retoman un movimiento

que parecía archivado. Acá, en

Argentina, el giro no fue exclusivo

de los grandes: la camada emergente

también lo absorbió. Entre esos

nombres aparece Juan Cottet, quien

decidió pausar el teatro y volver a la

música con “Esmeralda”. En la previa

de esta nueva etapa, se detiene en la

escena, habla de sus pares y anticipa

el camino que empieza a tomar su

carrera.

Venís del teatro, ¿qué te pasa

cuando sos vos el que canta, sin

un personaje que te cubra?

Siempre hay un personaje que me

cubre; la diferencia es que este personaje

también se llama

“Juan Cottet”. Estoy habituado a

decir los textos de otra persona, dirigidos

por otra persona, con el mensaje

de otra persona. Y subir a un

escenario a tocar mis canciones es

muy distinto: hay una vulnerabilidad

abismalmente diferente. Por suerte,

tengo un equipo de amigos y amigas

que me ayudan a construir ese universo

que me ampara, a ese Juan que

se sube al escenario a hacer la obra

de teatro sobre mi música.

“Esmeralda” llega después del

debut como una nueva etapa.

¿Qué cambió?

Todo. Cambió mi forma de componer,

el estilo musical, la producción

y la instrumentación. Pero, por fuera

de lo estrictamente musical, también

cambió mi perspectiva y mis expectativas

sobre la industria. FRÁGIL,

mi disco debut, es muy personal, en

el que hablo de mi familia, de un vecino

que odio, de un amigo que me

dejó de hablar en mi cumpleaños, de

un amor fallido… Como un popurrí

de historias de mi yo adolescente.

Los temas nuevos que estoy sacando

surgen desde otro lugar, desde algo

más vivo. Quizás en estas letras hay

un poquito de verdad, de forma encriptada,

pero “contar sobre mí” no

es a lo que apunto en este momento.

Juana Molina habló en una entrevista

de su forma de componer y me

resonó mucho con esta nueva etapa

de mi vida. Compongo melodías, secuencias

de acordes, y después busco

palabras que encajen y que, en el mejor

de los casos, cuenten un cuento

interesante; pero, si pudiera cantar

en un idioma inventado, lo haría.

Estoy investigando mucho más en

el sonido, en la producción, en las

referencias que tengo desde chico, y

jugando a full con eso. Quizás digo

esto y, en dos años, saco un disco

de baladas sobre el desamor. Uno

nunca sabe, y eso me genera intriga

y emoción.

¿Tenés ganas de salir de ese

clima introspectivo de FRÁGIL

o sentís que forma parte del

mismo viaje?

Todo es parte del mismo viaje, y

abrazo el disco con el cariño de haberlo

sentido de esa forma en el momento

en el que lo grabé. Hoy en día,

sacar música es muy fácil. Quizás, si

este disco lo grababa 20 años antes

de haber nacido, muchas de esas

canciones nunca hubieran salido a la

luz. Pero hoy lo veo como una parte

de mi historia: canciones que compuse

siendo más chico, con mi viejo

proponiendo acordes al lado mío,

con expectativas y experiencias totalmente

distintas a las de hoy.

“Esmeralda” es el inicio de algo más

adulto, mucho más conectado con

lo que quiero que escuchen de mí en

este momento. Una canción bailable

que brota de todo el mix de referencias

musicales que tuve a lo largo de

mi vida, de esa hipnosis que me generan

los artistas que tocan en un escenario

y te hacen temblar el cuerpo.

¿Qué te aburre de lo que está

pasando hoy en el pop/indie

local?

Me aburre pensar en el TikTok viral

para que la gente escuche un tema.

Me aburre el lobby. Me aburre y me

asusta la IA. Y no lo digo desde un

lugar de abstracción, porque formo

parte de todo lo que hoy sucede con

el arte independiente y, en este momento,

estoy pensando qué videos

subir para mi próximo tema. También

me aburren los artistas tibios,

que son “desapegados” de todo lo

que está sucediendo, como si la industria,

el arte y la política no estuvieran

completamente interconectados.

Y de esos hay varios…

Creo que hay un montón de propuestas

que surgieron de forma independiente,

que están creciendo, y

me encanta que se les esté dando el

lugar que se merecen: Homogénica,

Juana Rozas, Plastilina, Ela & Donna,

La Valenti, entre muchos otros

artistas que, desde un principio, son

fieles a su estilo y hoy llenan sus

shows. Los miro con admiración y

mucho respeto.

64 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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66 BILLBOARD.AR

MAYO 2026

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Magdalena Bay

POR ANTONELLA LOPREATO

“El arte funciona como

espejo de la situación

cultural y política”

Mica Tenenbaum repasa su

historia argentina, el recorrido

que desemboca en Imaginal

Disk y ese giro hacia un universo

introspectivo y psicodélico desde

el cual procesan la crisis de época.

POR ANTONELLA LOPREATO

MAYO 2026 BILLBOARD.AR 3

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“P

ienso que muchas

cosas cosas de la

vida son como una

recreación de la

primera vez que hiciste algo”,

planteaba Charly García en

1983, a propósito de “No soy

un extraño”, centro de su Clics

Modernos. Como para muchos

argentinos, es el álbum favorito

de Micaela Tenenbaum, una de

las mitades de Magdalena Bay.

Quizás fue la osadía de la leyenda

de decir algo a través de la obra,

ese patrón local que sobrevive al

destilado yanqui del new wave

y el synth-pop, o la tentativa de

volver a aquellas fiestas donde el

rock sonaba hasta que amanecía.

No lo tiene tan racionalizado, pero

lo cierto es que, cuarenta y tantos

años más tarde, la cantante volvió

a ese disco como referencia para

crear el suyo.

El derrotero de su vida, en

principio, iba por otro lado.

Nacida en Buenos Aires y

formada en Miami, dice “fútbol”

en vez de “soccer”, distingue

una barbecue de un asado, le

brillan los ojos cuando aparece la

palabra “medialuna” y está muy al

tanto del furor CA7RIEL & Paco

Amoroso. “Me criaron argentina.

Es una parte muy grande de

quien soy”, sostiene, aunque todo

lo anterior ya había hablado por

ella. Su ascendencia se reparte

entre Morón y Don Torcuato,

dos coordenadas del conurbano

bonaerense que admite no tener

“del todo claro dónde quedan”, y

dice pertenecer a una familia muy

fiestera: “Para los cumpleaños,

Navidad, siempre se arma baile

hasta las cinco de la mañana”.

Tiene algo del aplomo teatral

de Thom Yorke, mientras por

dentro le corre la melancolía

contagiosa de Fiona Apple. Para

descifrar a Tenenbaum, hay que

volver al kilómetro cero. Mica no

tenía dos años cuando sus padres

-de 28 y 23- emigraron a Florida

en 1997 buscando “oportunidades

y estabilidad”. “Surgió un trabajo

en Estados Unidos, lo intentaron y

se quedaron”, sintetiza.

Mientras sus papás aprendían

inglés en aulas nocturnas, ella lo

absorbía con una buena dosis de

películas de Disney. Sin embargo,

puertas adentro, el español siguió

siendo la lengua de todos los días

y las tradiciones se mantuvieron

intactas. “Ya tenía tíos allá, era

como una comunidad con todas

las costumbres: el asado, el

fútbol, todo”, detalla. “Los veranos

íbamos a visitar a mis abuelos

y primos. Después, fuimos

creciendo, empezó a ser un poco

menos frecuente”.

Además de hablar castellano

a la perfección, es quien le pone

voz y chispa al dúo. A su lado,

Matthew Lewin, con raíces

argentinas por vía paterna,

se encarga de la arquitectura

sonora. El sello celeste y blanco

de ambos trabaja como sustrato

del proyecto. La playlist oficial de

influencias asociada a Imaginal

Disk (2024), su segundo álbum

de estudio, lo confirma: Steely

Dan, Bob Dylan, Art of Noise,

Air y Björk compartiendo espacio

con García y Fito Páez. “La música

que ponen mis papás y tíos es

rock argentino, así que siempre la

escuché. Me gustaba, pero nunca

me había metido en profundidad.

En los últimos años empecé a entrar

más”, rememora desde su casa en

Los Ángeles, donde vive desde

2019. “De Charly soy súper fan. Clics

modernos es uno de mis preferidos

all time”, suma.

La excusa para este encuentro

con Billboard Argentina es el show

del 22 de mayo en el C Art Media,

su debut en el país, luego de una

gira por capitales europeas y de

foguearse como acto soporte de

Billie Eilish, Caroline Polachek y

Halsey, entre otros. Pero también,

el estreno de su película, dirigida

por Amanda Kramer, con premiere

prevista en el Festival de Cine de

Tribeca en junio de 2026. “Los

music videos que ya salieron

-‘Secrets (Your Fire)’ y ‘Chaeri’- son

parte de este film. Si la historia o

las conexiones entre esos videos

parecían medio confusas, ahora van

a tener el resto”, adelanta sobre un

largometraje de 54 minutos que baja

a tierra ese cúmulo de inquietudes

humanas que en Imaginal Disk se

volvió más denso y explosivo. Si

en García la fricción era política y

social, en Magdalena Bay el foco se

desplaza hacia lo psicológico.

CÓMO VOLVER COMPLEJO LO QUE

PARECE SIMPLE

Imaginal Disk llegó apenas dos

meses después del sacudón de

BRAT, la producción con la que

Charli XCX radicalizó exploraciones

formales dentro de los subgéneros

del pop. Su primer disco, Mercurial

World (2021) -posterior a los EPs

Day/Pop (2019), Night/Pop (2019)

y A Little Rhythm and a Wicked

Feeling (2020)- había flexibilizado

su impronta en favor de una mayor

circulación, aunque fue este

último el que dio con su dirección.

Editado por Mom + Pop Music, el

consenso crítico lo ubicó entre lo

más destacado de 2024, al lado de

popstars como Sabrina Carpenter

y Dua Lipa. “Estoy muy feliz con la

recepción que tuvo nuestra música

y el álbum como proyecto entero.

Sé que quizás en el futuro no va a

ser así para todo lo que hagamos.

Las carreras son así para los artistas”,

expresa.

Los antecedentes se pueden

rastrear desde Tabula Rasa, el grupo

que montraron en la secundaria

dentro del programa extracurricular

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LIVE! Modern School of Music, junto

al bajista Mariano Sarrate. Puro rock

progresivo, en la escuela de Rush, Led

Zeppelin y Pink Floyd. “Éramos muy

chicos, pero obviamente reconocimos algo

en el otro. No sé qué, pero hasta el día de

hoy sigue esa conexión. Nos entendemos

como artistas y como personas. Yo recién

estaba aprendiendo a escribir canciones

y él fue mi primer colaborador. Se sintió

súper natural”, revela. Composiciones que

alcanzaban los 20 minutos, con estructuras

heterogéneas y una primera intuición: la

idea de que la forma puede ser un campo

de experimentación para algo que todavía

no termina de tener nombre.

¿Había una necesidad de validarse

desde ese lugar?

No, era la música que nos gustaba,

especialmente a Matt. Él se crió

escuchando bandas como Genesis. Yo

conocía un poco de eso, pero él tenía

la visión: una banda de rock progresivo,

súper técnica, con canciones largas. Yo

vi eso y dije: “OK, dale, vamos”. Empecé

a escribir canciones en otros tiempos,

con estructuras medio experimentales.

Nos gustaba eso. Igual, éramos bastante

pretenciosos como adolescentes. No nos

gustaba el pop para nada. Pensábamos

que la música simple era fácil de hacer.

Después nos dimos cuenta de que no:

es más difícil escribir música así. Tuvimos

todo un proceso de descubrir eso cuando

empezamos a escribir cosas distintas.

¿Cómo fue el quiebre entre Tabula

Rasa y Magdalena Bay?

Nosotros teníamos la banda en la

secundaria. Después, cuando fuimos a

estudiar a la universidad, yo me mudé a

Filadelfia y Matt estaba en Boston. Fue

una separación natural y, por estar a larga

distancia, decidimos probar con música

electrónica. También queríamos probar el

pop. Estábamos empezando a escuchar

música pop que nos gustaba, así que fueron

varias cosas que se combinaron para crear

esta transición de un proyecto al otro.

Venían del rock progresivo y, después

de varios EPs, Mercurial World

marcó su verdadera llegada al pop

previo a Imaginal Disk: hasta hay una

interpolación de “Material Girl” de

Madonna en “Living in a Mercurial

World”. ¿Cómo fue ese acercamiento

al género?

Fue un proceso de aprendizaje muy

interesante. Yo estaba en la universidad y

algunos amigos me mostraron a Grimes;

a partir de ahí empezamos a escuchar

otras cosas. Se nos abrió la cabeza a la

música de otra manera, ya no sólo Pink

Floyd o King Crimson. Nos dimos cuenta

de que había pop experimental y, a la

vez, nos enamoramos de lo más clásico,

como Madonna, ABBA o Britney Spears.

Aprendimos un montón en esa época:

sobre el pop, sobre cómo escuchar, cómo

escribir y cómo producir. Y de ahí se

empezó a desarrollar nuestro sonido.

¿Te acordás de la primera canción

popera que escribieron?

Se llamaba “Rock Pop”. Decidimos

escribir una canción pop sin saber bien

qué era eso para nosotros, cómo sonaría

algo ”accesible”, de radio. Fue el primer

experimento en esa dirección. Después

hubo otros: algunos funcionaron, otros no,

pero fue importante probar, reinventar.

TODO SUENA MEJOR DE LO QUE ESTÁ

La información disponible sobre sus

primeros años no aparece completa

en sus canales oficiales. El archivo está

disperso en foros de Reddit, hilos de X y

reconstrucciones detectivescas de fans

que ensamblan biografías con datos que

se remontan a Crimson (2016), documento

de aquella etapa inicial. Ese ecosistema,

“ IMAGINAL DISK

ES

MIRAR

ADENTRO

SOBRE

HACIA

SIN

MIEDO, ACEPTAR

LAS

FALLAS

HUMANAS ”

en buena medida, lo cultivaron a través

de sus redes con movimientos como los

#MagMondays, una serie de streamings

donde liberaron material inédito. Entre eso,

el origen de su nombre: una apropiación

de “Maggie Bay”, una administradora que

trabajaba con Lewin y con la que mantenía

intercambios por mail.

Con ese recorrido a cuestas y hablando

puntualmente de lo más actual, lo que

realmente vuelve a emparentar a los

MagBay con García es la decisión de volver

lo bailable un dispositivo para procesar

conflictos que exceden la superficie.

Con los años, lograron abandonar la

complejidad como valor en sí mismo y

se metieron de lleno en un género que

les resultaba demasiado simple para

alojar aquello que querían decir. Desde lo

musical, el dúo se halla en dos herencias:

por un lado, toma recursos estéticos

de fines de los noventa y principios de

los 2000 que se asocian con Britney y

Madonna en sus épocas de mayor

alcance global; por otro, recupera

elementos de la vertiente experimental

del 2010, a partir de figuras como

Arca y Grimes, para expandirse en los

circuitos del hyperpop y el entorno de

PC Music, donde la artificialidad pasa a

ser materia prima compositiva.

“Lo llaman ‘pop de recesión’”, apunta,

en medio del regreso de ese universo

de plástico. Y amplía: “Tiene que ver con

la necesidad de escapar: el contexto

político y económico es complejo en

todos lados, y tiene lógica que este tipo

esté teniendo un resurgimiento. Yo creo

que todo el arte en general reacciona.

Hay distintos niveles de conciencia,

pero lo que se produce siempre refleja

el momento. No necesariamente de

forma explícita. No todo es político en

un sentido directo, pero igual funciona

como un espejo de la situación cultural

y política”, analiza.

La etiqueta apareció para nombrar

el boom del dance-pop posterior a la

crisis financiera global de 2008, cuando

nombres como Lady Gaga, Katy Perry,

The Black Eyed Peas o Kesha pusieron

al frente un código basado en la

euforia y la saturación como respuesta

a un escenario de incertidumbre.

En su mutación contemporánea, el

recession pop suma los criterios de

producción y circulación de la industria

musical que trajo la expansión de las

plataformas: métricas, algoritmos y

la performatividad de la identidad en

redes sociales que arman un entorno

donde todo se escenifica.

En ese contexto, la obra de MagBay,

en especial Imaginal Disk, se desplaza

de una lectura puramente estética hacia

una zona de indagación psíquica: un

campo donde se ensayan formas de

pensar cómo ese contexto se inscribe

en la constitución del sujeto. “Fue

todo un proceso de conocimiento del

ser”, puntualiza y suma que comenzó

a acercarse con la ayuda de su tía

psicóloga, quien, según describe,

trabaja con “un tipo de psicoanálisis

que le parece bastante argentino

en comparación con la psicología

en Estados Unidos”. “Me empezó a

interesar el mundo del subconsciente,

tanto en lo personal como en lo

artístico. Me encanta la ciencia ficción

y la fantasía, y sentí una conexión entre

esos conceptos del ser y algo más

imaginativo”, remarca.

A partir de esa inquietud, la dupla

descubrió el nudo desde donde

desarmar el relato de su último álbum.

La evidencia está en el título, que viene

de la biología. Los llamados “discos

imaginales” son estructuras celulares

presentes en las orugas que, durante la

metamorfosis, anticipan y delinean la

forma de la mariposa que vendrá. No

son lo que serán, pero ya lo prefiguran.

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“Es sobre mirar hacia adentro sin

miedo, aceptar las fallas humanas.

Para mí era muy difícil aceptar

eso, pero a través del álbum pude

hacerlo. Fue catártico crear arte

desde ese proceso”, expone.

¿Qué ocurre cuando alguien

intenta encarnar todo aquello que

cree que debería ser? Imaginal

Disk ensaya una respuesta a

través de True, un personaje que

decide implantarse ese “disco

imaginal” en la frente como atajo

hacia una versión superadora

de sí mismo. En una suerte de

thriller psicológico, se construye

el deterioro progresivo de su

mente desde el momento que

registra que algo no anda bien

(“América me robó el destino”,

cantan en “She looked just like

me!”) hasta el desenlace, donde

el cuerpo expulsa el implante y la

percepción se descompone en

fragmentos. El intento de acceder

a una variante termina revelando

que no hay forma de acceder a

una identidad plena sin que algo

se resista.

Dijiste que fue catártico.

¿Te genera cierto vértigo

mostrarte vulnerable?

Sí, pero creo que es importante

para la música, hay que hacerlo.

¿Te dio miedo el feedback?

No, no me da miedo el feedback.

Nosotros sabemos reconocer

cuándo algo nos encanta y, hasta

ahora, viene siendo bastante

positivo. No le va a gustar a

todos, es imposible: es música, es

arte. Tampoco tiene sentido crear

algo que le guste a todos, eso no

funciona.

EL POP FUERA DE SÍ

La potencia conceptual encontró

una deriva inesperada en el

plano cultural cuando Rosalía

retomó su propuesta visual para

Halloween, personificando la

estética de la portada del disco

-concebida por el propio dúo

junto a la artista Maria Shatalova,

a partir de imágenes tomadas

con una Nikon Coolpix y luego

intervenidas digitalmente. “Muy

cool. Está buenísimo no solo

que se conozca la música, sino

que el arte, el concepto, tenga

ese tipo de impacto cultural”,

comenta al ver las fotos de la

cantante catalana disfrazada. Y, al

pasar, deja abierta la puerta a una

posible colaboración: “Sí, estaría

genial. Mi papá es súper fan de

ella”.

Otra de las estrellas que se

interesó fue Grimes. La banda publicó un

remix de “Image” en colaboración con la

artista: una versión synth-pop/electrónica

que acelera el ritmo de la original. “Fue

muy natural. Había posteado una foto

en Instagram usando ‘Mercurial World’.

Nuestra discográfica la contactó para ver

si quería hacer un remix, dijo que sí y lo

hizo. Para nosotros fue súper importante

porque Art Angels (2015) fue fundamental

cuando empezamos a escuchar y crear

pop”, afirma.

Se construyó en una orientación

1 de

noviembre

de 2024.

Rosalía asistió

a la fiesta

de disfraces

de Kendall

Jenner en

Los Ángeles

con un look

inspirado en

la portada de

Imaginal Disk,

el último

disco de

Magdalena

Bay.

El estilismo

replicó la

imagen

del CD

incrustado

en la cabeza,

en referencia

directa al arte

del álbum.

analógica (un revoltillo de synth-pop,

electro-pop e indie-pop) que aparta la

inmediatez de trabajos anteriores hacia

una paleta más instrumentalizada y un

audio matizado por la década del 70

(visible en la relación entre “Cry for Me”

y “Dancing Queen” de ABBA). Indagando

en el proceso de producción, Mica señala

que la elaboración de cualquier tipo de

“Me criaron

argentina.

Es una parte

muy grande

de quien soy”

arte implica un “cambio constante de la

perspectiva” y una apertura hacia “varias

fuentes de inspiración”, difíciles de listar

en un repertorio. “Por ejemplo, volvimos

a escuchar música que nos gustaba en la

secundaria, ese tipo de rock progresivo.

De ahí salió una combinación entre el pop

y esa música que nos había gustado como

adolescentes. Todo ese mundo de sonido lo

pudimos interpretar de una manera nueva”,

aclara.

Si todavía quedaba margen para señalar

un último punto de contacto con Charly,

también aparece a la hora de poner en

escena las canciones. Así como García tomó

a Genesis como modelo para expandir el

lenguaje de La Máquina de Hacer Pájaros

y, más tarde, de Serú Girán, Magdalena

Bay vuelve sobre ese Genesis Live (1973) y

Genesis Archive 1967-75 (1998) para concebir

el vivo como algo más que mera ejecución.

“Su performance es súper conceptual, con

disfraces y personajes, es increíble”, dice.

“Nos gustó la idea de hacer algo más teatral,

que no se sienta solo como un show de pop

rock. Hay momentos que sí, pero en otros

es como estar mirando una obra de teatro. Y

eso nos pareció que encajaba muy bien con

nuestra música”, precisa.

¿Cómo te parás en el escenario?

El escenario me encanta. Es como una

actuación; por alguna razón, incluso se

siente menos expuesto. Quizás porque

tocamos tantos shows, creo que más de 150,

que cambió mi manera de pensar el vivo.

Obviamente, cuando hacemos una canción

por primera vez me pongo nerviosa, pero

es más por la performance, por el hecho

de estar haciendo algo nuevo. Creo que

me siento más vulnerable cuando la estoy

escribiendo, porque pasa de ser algo muy

personal, íntimo, a sacarlo al mundo. Esa es

la parte medio rara.

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Þinkpantheress

La artista que redefine el Pop Gen-Z, conquistó el#1 Global

y fue sensación en Coachella

La cantautora y productora británica se impone como una de las figuras más influyentes de la nueva generación.

por parte de su madre, la artista comenzó a

componer a los 14 años. Su nombre artístico

nació de forma casi accidental mientras

miraba el programa británico The Chase, y ha

manifestado que prefiere mantener su identidad

fuera del ojo público.

Sus influencias son un puente entre décadas:

desde la energía de Hayley Williams (Paramore)

hasta productores de big beat de los 2000

como Basement Jaxx y Groove Armada. Esta

formación musical le permite crear canciones

con un sonido progresivo que dialoga con

artistas como Salute y Fcukers, diferenciándose

de cualquier otra estrella pop actual.

LA ARTISTA DE CULTO QUE TODOS

QUIEREN

Su capacidad para desdibujar géneros ha

despertado el interés de los creativos más

disruptivos. En la escena hispana, figuras de

la talla de Ca7riel & Paco Amoroso ya han

manifestado públicamente su interés por

colaborar con ella, reconociéndola como la

vanguardia absoluta. Con más de 700 millones

de reproducciones en su álbum Fancy Some

More?, PinkPantheress ha colaborado con una

élite diversa que incluye a Kylie Minogue,

Kaytranada, Anitta y SEVENTEEN.

FOTO: GENTILEZA PRENSA

H

ay artistas que siguen las tendencias y hay

artistas que las crean. PinkPantheress,

la británica que pasó de producir ritmos

en su dormitorio durante la pandemia a

dominar la industria, llega a 2026 consolidada

como la figura más influyente de la nueva

generación y una de las piezas clave de la

corriente new nostalgic.

UNA PIONERA EN LA PRODUCCIÓN Y EL

SONIDO NEW NOSTALGIC

Con un estilo único que fusiona el pop

alternativo con el drum & bass y una

curaduría experta de samples de los 90 y 2000,

PinkPantheress ha hecho historia al convertirse

en la primera mujer en ganar el BRIT Award

a Productora del Año. Este reconocimiento

técnico, sumado a su reciente puesto número 1

con el hit "Stateside" junto a Zara Larsson, la

sitúa como la mente maestra detrás del sonido

que define nuestra era.

EL FENÓMENO "STATESIDE": DEL #1 A LAS

OLIMPÍADAS

Su colaboración con Zara Larsson no solo

alcanzó la cima de los charts y se consolidó en

el Billboard Hot 100, sino que se transformó

en un fenómeno cultural. La canción volvió

a explotar globalmente gracias a la atleta

olímpica Alysa Liu, quien adaptó el baile del

video oficial para la rutina de patinaje artístico

con la que se coronó campeona en Milán.

DE BATH AL MUNDO: IDENTIDAD,

ORÍGENES E INFLUENCIAS

Nacida en Bath, de ascendencia keniana

DEL LEGADO DE "BOY’S A LIAR" A LA

CONSAGRACIÓN EN LOS GRAMMYS 2026

Este ascenso meteórico no es casualidad,

sino una construcción sólida que tiene como

cimiento el impacto sísmico de "Boy’s a Liar

Pt. 2" junto a Ice Spice, el hit que la catapultó

a la masividad. Sobre esa base, PinkPantheress

ha edificado un imperio visual que hoy abraza

el imaginario inglés en su álbum Fancy That

y su expansión Fancy Some More?, dónde

éxitos virales como "Illegal" -con su challenge

que fue replicado hasta por figuras alrededor

del mundo entero, incluyendo a la estrella

argentina Maria Becerra para presentar su

nueva era musical- se transformaron en un

fenómeno de reproducciones masivas. Esta

evolución la llevó a brillar en los Grammy

2026, donde sus nominaciones a Mejor Álbum

de Pop Alternativo y Mejor Grabación Dance/

Electrónica confirmaron que su propuesta ya es

parte de la nueva historia de la música.

EL 2026 MARCA SU DESPLIEGUE TOTAL EN

LOS ESCENARIOS MÁS PRESTIGIOSOS:

* Debut en Coachella: fue una de las

presentaciones más aclamadas del festival.

* Headline en Primavera Sound Barcelona:

su primer gran protagónico como cabeza de

cartel en Europa.

* Gira An Evening with PinkPantheress: tour

norteamericano tras agotar funciones en el

O2 Brixton Academy y The Wiltern.

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Flor Paz lleva 89 al Teatro Vorterix

El próximo 28 de mayo será su primer gran show en ese escenario de la Ciudad de Buenos Aires.

uego del lanzamiento de su

L último álbum, 89, Flor Paz

da un paso clave en esta nueva

etapa de su carrera y anuncia su

primer show en el Teatro Vorterix,

donde presentará “Nuestro

Origen”, en uno de los escenarios

más importantes de la escena

musical argentina. El show será

el próximo 28 de mayo, en una

noche que marcará un nuevo

hito en su recorrido artístico,

llevando al vivo un proyecto que

representa un punto de inflexión

en su identidad musical.

89, disponible desde diciembre,

es un álbum que nace del

deseo de expandir su música

hacia una fusión latinoamericana

donde conviven elementos del

folclore, el gospel y la música urbana.

Este trabajo no solo representa

una evolución sonora, sino

también un proceso personal de

transformación y renacimiento,

condensado en su título, que

hace referencia al año de naci-

miento de la artista.

En este show, Paz trasladará

ese universo conceptual al

escenario, con una propuesta

que busca reflejar la mixtura

de influencias que atraviesan el

álbum: la raíz folklórica heredada,

la música afroamericana

que marcó su formación y el

sonido contemporáneo de su

generación.

El Teatro Vorterix se convierte así

en el espacio elegido para presentar

en vivo esta nueva etapa,

en un formato que promete ser

tanto íntimo como potente, donde

la interpretación y la conexión

con el público ocuparán un lugar

central. Las entradas estarán disponibles

a través de All Access.

Además, la noche contará con

la participación de artistas invitados

que forman parte de la

historia del folclore argentino, en

un cruce generacional que dialoga

con la esencia del proyecto.

En ese marco, la presencia

de Los Manseros Santiagueños,

grupo fundado por su padre

Onofre Paz, suma un valor simbólico

y emocional único a este

encuentro.

Este show no solo será la presentación

de su álbum, sino la

puesta en escena de un momento

artístico que marca un antes y

un después en su trayectoria.

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EL DÚO SANTAFESINO

IMPARABLE

“

Mala”: así se titula el nuevo

lanzamiento que reúne a Uriel

Lozano y Cacho Deicas en

una colaboración que fusiona tradición y

actualidad dentro de la cumbia santafesina.

Con una atmósfera romántica intensa y

una interpretación cargada de sensibilidad

desde el inicio, la canción retoma elementos

clásicos del género y los proyecta con una

impronta contemporánea, funcionando

como un puente entre la nostalgia y el

presente. Bajo la producción de Alejandro

Bandeo, la química entre ambos artistas se

percibe natural y responde a un recorrido

artístico con raíces compartidas y una visión

común sobre la evolución del género.

En este contexto, Deicas consolida su

nueva etapa solista y su llegada a nuevas

audiencias, mientras Lozano reafirma

su posicionamiento como uno de los

referentes actuales con colaboraciones y

proyectos de gran alcance. “Mala” combina

historia, identidad y emoción, y se proyecta

como una muestra clara del presente y

futuro de la cumbia santafesina.

MALA FAMA

TAMBIÉN ES ROCK

M

ala Fama presenta “Pequeños Pitufos”, una canción

junto a Joaquín Levinton y Gaspar Benegas

que nace desde una historia personal y que

marca el inicio de una nueva etapa para la banda, donde

la cumbia se cruza sin prejuicios con el rock.

La canción tiene un origen tan íntimo como inesperado.

Según explicó Hernán Coronel, todo empezó cuando

Andrés Calamaro le cuenta sus problemas de insomnio:

de las noches sin dormir, de lo difícil que siempre le resultó

conciliar el sueño y de una sensación que lo acompañó

durante toda su vida. Ese mensaje fue el disparador.

Hernán recuerda que, después de escucharlo, le dijo que

tenía qué escribir una canción. La respuesta de Calamaro

fue directa: que hiciera lo que quisiera.

Eran noches de pandemia en las qué Joaquin y Hernán

pasaban horas en el estudio. Durante la grabación, el

equipo venía buscando un sonido de guitarras que no terminaba

de aparecer. Fue entonces cuando, a través de un

contacto en común, lograron que Benegas se acercara al

estudio ese mismo día. “Pequeños Pitufos” no es solo una

canción que salió del archivo: es el puntapié de una etapa

donde Mala Fama se anima a explorar nuevos cruces,

manteniendo su esencia pero expandiendo su sonido.

Con este lanzamiento, la banda reafirma su versatilidad

y deja claro que su camino no se limita a un solo género:

la cumbia también puede ser rock.

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MOJO EN VIVO

MOJO en Vivo es el espacio donde los artistas de la

compañía encuentran su lugar para desplegar su

crecimiento y llevar su propuesta a escenarios reales, a

través de shows concebidos íntegramente en formato

en vivo.

Desde MOJO impulsamos la comercialización de

presentaciones en todo el país, trabajando junto a una

sólida red de promotores y venues. Esta estructura nos

ha permitido expandir nuestras operaciones más allá de

Argentina, con presencia en Chile, Uruguay, Bolivia,

Paraguay, Perú, Ecuador, Estados Unidos y Europa.

Nuestro roster reúne a artistas como El Negro Tecla, De

La Calle, El Rodri, B-RLIN, Felix Record y Kaleb Di Masi,

entre otros, consolidando una propuesta diversa y en

constante crecimiento dentro de la escena actual.

Contacto:

+54 9 11 2597 6457

+54 9 11 3394-7322

Usuario TikTok: @mojoenvivo

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Tan Biónica cierra el año en el Estadio

Uno de La Plata

Luego de arrasar en sus tres presentaciones en el Estadio Vélez, anunciaron el último show del 2026 en la ciudad de La Plata.

l 2026 de Tan Biónica arrancó con

E tres noches únicas en el estadio Vélez Sarsfield

donde se revivieron los clásicos de toda

su carrera y las nuevas canciones de su disco El

Regreso, que sonaron por primera vez en vivo.

El 12 de diciembre será el reencuentro con

el público platense en el Estadio Uno. Las entradas

anticipadas ya pueden ser adquiridas a

través del sistema Livepass. Comprando con

tarjetas del Banco Provincia tenes 4 cuotas sin

interés.

Luego de una década sin publicar material

nuevo, El Regreso marcó el comienzo de una

nueva etapa para la banda. El álbum incluye

diez canciones inéditas y cuenta con colaboraciones

de lujo junto a Nicki Nicole, Andrés

Calamaro y Airbag. El disco se posicionó en

el noveno puesto del ranking Top álbum debut

global de Spotify y sus 10 canciones entraron

en el top 50 de Argentina.

Con un sonido renovado pero fiel a la identidad

de la banda, este disco no solo simboliza

un regreso discográfico, sino también la reunión

del grupo y la reconstrucción de un espacio que

ellos mismos ayudaron a definir dentro del pop

rock argentino.

Tan Biónica es una de las bandas más emblemáticas

del pop-rock argentino de las últimas

dos décadas. Formada en Buenos Aires por Santiago

Chano Moreno Charpentier, Gonzalo

Bambi Moreno Charpentier, Diego Diega Lichtenstein

y Sebastián Seby Seoane, se convirtió

en un fenómeno musical y cultural que marcó a

varias generaciones.

Con una propuesta que fusiona pop, rock y

electrónica, el grupo conectó rápidamente con

el público. Entre 2010 y 2015 alcanzaron el éxito

con sus discos más icónicos Obsesionario (2010)

y Destinología (2013), que incluyeron himnos

como “La melodía de Dios”, “Ciudad mágica”,

“Ella” y “Obsesionario en La Mayor”.

Tras un impasse que comenzó en 2016, la banda

regresó en 2023 con la gira La Última Noche

Mágica, que agotó en tiempo récord cinco fechas

en estadios (Vélez, Estadio Único de La Plata y

River Plate) y los llevó a recorrer Argentina, Uruguay,

Paraguay, Chile, Perú y España, convocando

a más de 500.000 personas en todo el mundo.

A lo largo de su carrera, Tan Biónica acumuló

tres Discos de Oro y tres de Platino otorgados

por CAPIF por Obsesionario, Destinología y Hola

mundo. También fue nominada a los Grammys

Latinos de 2013 en la categoría Mejor álbum

Pop/Rock por Destinología.

En 2023 anunciaron su gira La Última Noche

Mágica convirtiéndose en el tour récord de Tan

Biónica con más de 500 mil tickets vendidos en

Argentina, España y Latinoamérica.

Luego de su regreso, en 2025 ganó dos Premios

Gardel: Mejor Álbum en Vivo por La Última Noche

Mágica–Estadio River Plate y Mejor Canción

Pop Rock por “Arruinarse”, junto a Airbag.

Con su nuevo álbum, Tan Biónica inicia una

nueva etapa, manteniendo viva la

energía de sus clásicos y reafirmando su lugar

en la historia de la música.

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